Cinestesis

Em busca do novo cinema perdido.

2008-12-30T11:30:00.000-08:00

Tentando preparar o terreno para uma análise da produção cinematográfica brasileira, contemporânea, gostaria de fazer um balanço sobre a história de nosso cinema. Deste modo, vou começar por uma brave análise do movimento que veio a ser denominado Cinema Novo. Para tal, tomarei como referência bibliográfica o texto de Fernão Ramos, “História do Cinema Brasileiro”, onde ele analisa o desenvolvimento dos debates e da produção das décadas de 50, 60 e início dos 70, as propostas iniciais e as rupturas daqueles que de algum modo ou de outro aderiram ao movimento e/ou se rebelaram.

Porém, para chegar ao texto de Ramos, pretendo fazer uma pequena introdução com o objetivo de deixar uma simples concepção de cinema a qual irá balizar meus argumentos e concepções.

Há uma bonita concepção de José Carlos Avellar acerca do cinema, no final da introdução de seu livro “O Cinema Dilacerado”, que parte de uma experiência espontânea e corriqueira. O brilho crepuscular do sol refletido e/ou decomposto como por um prisma em uma vidraça qualquer suscita uma rara beleza e encanto, sobretudo, àqueles dispostos a perceber estes espetáculos cotidianos e sutis. Por sua vez, fitar diretamente o sol é, sem dúvida, uma ação desestimulada por qualquer oftalmologista e mesmo que alguém queira fazê-lo o fará por poucos segundos antes de ficar totalmente ofuscado, nunca conseguindo visualizar a “realidade” solar.

Assim, o cinema seria uma espécie de prisma ou espelho por onde “o mundo”, “a vida” ou “a realidade” poderia vir à tona e “surgir” diante de nossos olhos. Por sua vez, “o mundo” seria totalmente inacessível aos nossos olhos nus. Gosto desta concepção e creio que não se trata de concordar ou discordar, se ela dá conta ou não do que é o cinema, mas apenas ressaltar que é uma concepção interessante.

Por outro lado, o cinema também é indústria, decorrente de processos sociais e históricos desencadeados pelas constantes revoluções industriais dos séculos recentes, marcado por uma vasta e complexa divisão de trabalho, constantemente coptado por regimes políticos e artistas e ideólogos das mais variadas tendências, dos anarquistas mais iconoclastas aos mais fervorosos conservadores o cinema tem “refletido” os mais variados nuances e brilhos. Dos países que ocupam as vanguardas do capitalismo até países com escassos parques industriais, muitas vezes, países destruídos por guerras civis e mundiais, todos, de algum modo, produziram seus filmes.

Na grande maioria dos casos as próprias condições políticas, sociais e econômicas destes países e regiões de um modo ou outro influenciaram em seus estilos e técnicas. O cinema alemão e suas sombras abissais, o cinema americano e sua montagem clara e objetiva, o cinema soviético marcado por suas perseguições implacáveis e pela propagando socialista extenuante, assim como alguns cineastas russos e sua espiritualidade impregnada em planos eternos e melancolicamente críticos da nossa modernidade desencantada. Enfim, muitos casos poderiam ser aqui citados, com diferentes níveis de profundidade nas afirmações e com muitas divergências.

Dentro destas escolas e tendências, cada país (ou povo, ou região, ou grupo) elabora e re-elabora dentro de suas possibilidades e tradições culturais sua produção e compreensão de cinema. Com o Brasil, claro, isto é uma verdade. A despeito das discussões acerca da existência ou não do nosso cinema (eu já ouvi dizer que não existe cinema brasileiro, e não foram poucas vezes), gostaria de parafrasear Antônio Cândido e adaptar a sua concepção acerca de nossa literatura para entendermos nossa produção cinematográfica, gostando ou não de nosso cinema, este é o cinema que temos e é este cinema que nos expressa.

Deste modo, creio que anárquico ou não, temos um cinema, inclusive com uma vasta historiografia e experiências, há a busca, há os encontros e os desencontros. Há os desacertos da tentativa industrial da Vera Cruz, da Atlântida, há o bombardeio exuberante e verborrágico glauberiano, há uma história.

Deste modo, quando Avellar nos fala que;

“...o que melhor caracteriza o cinema que fizemos neste período (e também o que fizemos um pouco antes dele e continuamos a fazer um pouco depois dele) é a existência simultânea e algo indisciplinado de diferentes estruturas cinematográficas” (AVELLAR, 1986, pg. 9).

Embora o autor se refira ao período que vai desde a promulgação do AI-5 até a abertura política, creio que este argumento possa ser atribuído a toda história de nossa cinematografia e também conseqüência daquilo que alguns preferem chamar de subdesenvolvimento e outros por identidade brasileira pós-colonial e católica. Neste caso, o que entendo por Brasil é um país que não se modernizou efetivamente, mas nem por isso deixa de ter sua história só por que ela é caótica e tumultuada. Entendo que o autor defendia a pluralidade, mas pretendia uma pluralidade harmônica ao invés de dissonante, porém, creio que pedir a um cineasta como Glauber Rocha o mínimo de coerência já seria uma árdua tarefa, imagine de todo os cineastas brasileiros!?

Feita estas observações, me debruço sobre o texto de Fernão, assim como outras fontes citadas pelo mesmo, onde ele apresenta o embrião do que viria a ser o Cinema Novo e uma divisão marcada por três momentos importantes do mesmo, momentos estes representados por três filmes emblemáticos e que expressam o que poderíamos chamar de “infância”, as transformações e as rupturas inerentes ao Cinema Novo.

O Início de um movimento

A onda inaugural do que viria a se consolidar como Cinema Novo seria aquela com produções realizadas pelo CPC (Centro Popular de Cultura) vinculado a UNE, como a coletânea de curtas; “Cinco Vezes Favela”, e algumas significativas produções baianas (Bahia de Todos os Santos, A Grande feira, Tocaia no Asfalto, Barravento, entre outros), além de algumas produções de Nelson Pereira (Rio Zona Norte), Paulo César Saraceni (Arraial do Cabo), Linduarte Noronha (Aruanda,) entre outros.

Esta produção continha de forma geral e mais explícita o problema de um deslocamento dos próprios autores em relação ao mundo que queriam retratar. Na sua grande maioria, oriundos de uma classe média bastante culta - inclusive, uma geração considerada muito mais culta e intelectualizada que a dos produtores e artistas da geração anterior.(DAHL, 1966, pg.196)

Por outro lado, seguindo tendências do momento que davam uma importância especial ao cinema de autor e do autor no cinema - muito em voga depois da Novelle Vague francesa - e questionando a produção anterior ao período saturada pela chanchada e dos fracassos da Vera Cruz e da Atlântida, esta tendência irá tentar reinventar o cinema brasileiro. Com acertos e erros.

Neste caso, a produção desta fase inicial peca por uma concepção populista do cinema, este que deveria servir de instrumento de conscientização das classes oprimidas[1], e que na verdade acabou caricaturando de forma preconceituosa tanto o povo como as elites econômicas e políticas. Deste modo, o que se apresentou foram filmes simplistas que formatavam a realidade e transpunham “uma ortodoxia marxista mal digerida, que transfere mecanicamente para o cinema esquemas elaborados em função da abordagem do processo industrial na produção social como um todo” (RAMOS, 1987, pg.303)[2].

Além do mais, estaria marcada por uma linguagem simplista, que não deixaria...

“...à realidade a menor possibilidade de ser mais rica, mais complexa do que o problema que o diretor queria expor, tal como aparece no filme, a realidade não dá margem a nenhuma outra interpretação além do problema apresentado. É uma espécie de realidade asséptica que permite uma compreensão e uma interpretação única: a do problema enunciado!”(BERNARDET, 1965, pg 221).

Bernardet, embora reconhecesse a importância de “Cinco Vezes Favela” nunca teve complacência com o que viria a ser chamado cepecismo, ou seja, a tendência, como já dita anteriormente, de realizar um cinema engajado com as classes ditas populares da qual muitos dos diretores não eram oriundos.

Neste momento, talvez nem mesmo os diretores e artistas envolvidos na dura aventura de realizar seus filmes e buscar uma possibilidade de linguagem tenham percebido a potência e autonomia de seus anseios. Talvez as coisas não estivessem muito claras, mas gradualmente iriam se constituindo e se desenvolvendo até atingir um clímax. Assim, em 63 uma vasta produção já havia sido realizada e é neste momento, que de uma fértil onda de produtividade podemos delimitar aquilo que seria um primeiro ciclo fechado do dito Cinema Novo.

Primeiro ciclo do Cinema Novo

Sendo escolhido por Fernão Ramos para representar o que ele chama de primeira “trindade” do Cinema Novo; Deus e o Diabo na Terra do Sol de Glauber Rocha, Os Fuzis de Ruy Guerra e Vidas Secas de Nelson Pereira dos Santos, todos de 1963. Filmes que retratam um Brasil remoto e ensolarado, um Brasil distante e quase mítico que é palco de conflitos políticos e sociais. É bom lembrar que estes filmes não inauguram o Cinema Novo, mas se tornam ícones representativos de sua primeira fase.

Em seus argumentos, estes filmes efetuaram um distanciamento ainda maior do que o que havia sido feito anteriormente em relação às classes populares, se filmes como “Cinco Vezes Favela” buscavam narrar os problemas dos “economicamente pobres” urbanos[3]. Agora a distancia se acentuou e o foco temático passaria a ser o sertanejo nordestino em seu “habitat” natural. Além disso, buscou-se uma maior elaboração na linguagem fugindo do didatismo simplista habitualmente utilizado para qualquer tipo de propaganda; comercial, ideológica ou institucional. Pouco após a ruptura com o CPC, causada em função justamente de problemas relacionados à delimitação conceitual do que seria o Cinema Novo, afirma Fernão Ramos sobre Glauber que este tinha especial atenção à questão da linguagem devido ao temor de que “a sua arte e o Cinema Novo em geral viessem a ser instrumentalizados em função de necessidades políticas imediatas” (RAMOS,1987,pg.334). Não bastando os problemas com o CPC, o “pensador” do novo movimento cinematográfico ainda teria por modelo negativo produções como “O Pagador de Promessas” e “Assalto ao Trem Pagador” - ambos de 1962 - os quais ele compreendeu como produções pautadas por modelos de produção e narrativo que atuavam “esmagando a expressão contemplativa da miséria nacional transformada em fonte de renda pelos produtores a serviço de uma ideologia do entorpecimento” (Idem, pg.335).

Não obstante a questão da linguagem e conteúdo, outro aspecto fundamental da arte cinematográfica fora pensada por estes autores, a questão da própria produção.

É certo que desde Nelson Pereira e seus filmes “Rio 40 Graus” e “Rio Zona Norte” novas formas de produção foram pensadas no sentido de fugir à produção industrial, sendo tentadas formas desde esquemas como mecenato, doações e cooperativas até cotas e subsídios minguados de setores estatais. A conseqüência fora uma incorporação intencional das próprias dificuldades de modo a construir um estilo particular, um exemplo excelente desta busca é a fotografia estourada, sem filtros, que aquece aridamente muitos dos filmes deste período. Porém, os contratempos não são poucos, e o endividamento de muitos dos autores engajados assim como deficiências técnicas insuperáveis, o som em muito destes filmes, como em os Fuzis. Muito deste posicionamento fora influenciado por uma radicalização com forte influencia marxista mal digerida que jogava a “água da bacia fora junto com a criança”, pois confundia todo o tipo de indústria cinematográfica com o modelo de indústria fracassado vigente no Brasil no período anterior. Talvez este seja um dos maiores erros de muitos autores que se atiraram com muito ímpeto à produção independente sem planejamento e ao menos conseguiram realizar seus filmes ou custear a própria produção. Glauber tinha uma compreensão que as escolhas estéticas do autor deveriam ser pautadas em escolhas éticas, e um autor que se dispusesse a participar da vanguarda do cinema novo deveria optar pelas escolhas de sua elite e sua leitura particular do pensamento marxista ao qual Glauber tinha franca adesão.

Em relação a estes três filmes que marcam o ciclo inicial cinemanovista gostaria de salientar que não pretendo aqui entrar no mérito da análise destes e nem de apresentar seus argumentos, pressuponho o conhecimento tanto destes como dos filmes pertencentes às outras tríades, pretendo apenas apresentar os argumentos gerais sobre estes ciclos e o desenvolvimento inerentes aos mesmos.

Quanto a este primeiro ciclo e seus resultados dois autores são bastante contundentes em suas críticas e vieram a contribuir e muito para repensar a produção inicial “autenticamente cinemanovista”, Gustavo Dahl no que tange aos meios de produção materiais do filme e Jean Claude Bernardet e a reflexão sobre a linguagem destes filmes.

Se por um lado, estes autores pensavam num sistema “alternativo” de produção, este se viu inviável, segundo Fernão ramos citando Gustavo Dahl:

“...a maravilhosa alquimia pela qual alguns visionários transformam prejuízos financeiros em altas manifestações da cultura brasileira, tornou-se insustentável”. (RAMOS, 1987, pg.354)

Gustavo Dahl, sem ingenuidade e romantismo, visualizava uma concepção de cinema que estivesse antenado com perspectivas de mercado (público), tendo a clara concepção de que o cinema é indústria, ou ao menos, uma arte industrial extremamente complexa e integrada a certas demandas, e que deveriam levar em conta questões como produção, distribuição e exibição. Dahl parte, em seu texto “Cinema Novo e Estruturas econômicas Tradicionais” (1966) do pressuposto de que não apenas o cinema brasileiro passa por uma crise, mas sim todo o cinema mundial. Compreende que cada centro produtor re-elabora suas concepções e produção de cinema com o objetivo de superar crises das mais diversas, como, por exemplo, o surgimento e voluptuosa expansão da televisão. Para Dahl, existem questões centrais acerca do desejo e natureza do público que deveriam ser efetivamente pensadas antes da produção de um filme ou de uma indústria ou movimento cinematográfico viável.

São estes os pontos cruciais para Dahl:

· “O Cinema deixou de ser a arte diversão das massas para ser a arte diversão da classe média”.

· “O público não vai mais ao cinema, genericamente, automaticamente; o público vai agora ver um filme preciso, do qual exige precisas qualidades, como arte ou como espetáculo”.

· “O público pede dos filmes o que a televisão não lhes dá: fasto, violência, sexo, erotismo, profundidade psicológica, beleza plástica, qualidade artística estratificada”...

· “Qualquer cinematografia que não a norte americana só pode subsistir na medida em que se apóia em seu mercado interno e dentro dele reserva para si os meios indispensáveis a sua continuidade”.

· Não há mais o sucesso médio: um filme ou vai muito bem ou vai muito mal”.(DAHL, 1966, pg. 194-195)

Entre outros pontos, inclusive alguns já citados por mim neste texto, como por exemplo, a questão dos fracassos da Vera Cruz e da Atlântida, por motivos específicos; das diferentes estratégias de enfrentamento da crise adotada por grandes centros produtores e da superioridade cultural e intelectual dos novos diretores do Cinema Novo, ele vislumbra um cenário cinematográfico incipiente, desenraizado, artisticamente anacrônico e industrialmente mal formulado marcado por conflitos agudos entre dois grupos antagônicos, sendo um destes grupos formados por exibidores brasileiros aliados a distribuidores internacionais (sobretudo norte-americanos) contra distribuidores e produtores brasileiros, onde o principal prejudicado, sempre fora os produtores brasileiros, estes que amargavam prejuízos astronômicos via de regra. Destarte, a posição defendida por Dahl[4] seria a “transformação da estrutura semi-industrial do cinema brasileiro numa estrutura verdadeiramente industrial, através da difusão de uma mentalidade empresarial”. (DAHL, 1966, pg.203)

Entendendo esta industrialização dividida em vários setores interligados, desde a produção cinematográfica até produção de material como película, equipamentos de som, etc, assim como a modernização dos serviços de distribuição e exibição, criando “condições para que os diretores brasileiros universalizem e apurem sua linguagem através de seu uso freqüente, e em liberdade”.(IDEM, pg.204)

O que concordo na perspectiva de Dahl é que o público deve ser atendido, uma vez que tanto em regimes socialistas de economia planificada ou em sistemas capitalistas de mercado é o público que legitima em última instância o sucesso ou fracasso de um filme, pois diferente de um texto literário ou poema, que requerem basicamente papel e lápis, ou a pintura que requer uma pequena variação de tintas, por sua vez o cinema requer pesados recursos humanos e materiais oriundos geralmente do público que o prestigia.[5]

No que tange a linguagem os argumentos de Bernardet já foram de algum modo apresentados, mas merecem aqui uma maior atenção. Estes argumentos constam no artigo “Para um Cinema Dinâmico” e estão incluídos de forma geral no livro “Brasil em tempo de Cinema”, ambos presentes na bibliografia do presente trabalho.

Bernardet parte da idéia de que em momentos de transformação social e/ou crise ocorre uma reestruturação da linguagem e esta deve enfrentar novos paradigmas simbólicos. Assim, o didatismo não se apresenta como uma forma razoável de apreensão do mundo uma vez que se torna anacrônico não conseguindo problematizar questões sociais e estéticas cruciais, neste sentido, pode-se perceber um certo paralelismo entre Bernardet e Glauber diante de questões ligadas às chanchadas, à produção cepecista e até mesmo a filmes como o “Pagador de Promessas” e “Assalto ao Trem Pagador”. A sociedade brasileira naquele período assim como o cinema mundial e brasileiro encontram-se em uma profunda crise[6]. Esta compreensão da crise inerente ao mundo contemporâneo remete constantemente a um repensar da linguagem e dos seus símbolos. Neste sentido, Bernardet faz uma ressalva e talvez neste sentido faça críticas a experimentalismos formais exagerados que reformulam símbolos gratuitamente:

“O que se dá com mais freqüência é que artistas só aparentemente interessados nas mudanças e fazendo falsos esforços de adaptação passam a mudar gratuitamente os símbolos”...”mas não basta mudar os símbolos, signos, conteúdo, forma, etc, devem se propor a discutir novas questões, sua nova dinâmica”(BERNARDET, 1965, pg.219)

Para ele, o artista deveria omitir-se da descrição e provocar a reflexão, deve-se fazer com que o publico venha a tomar uma posição em relação ao mundo. Porém, creio que - agora o que faço aqui é uma leitura extremamente pessoal - é particularmente difícil ao artista, autor ou diretor de cinema realizar tal façanha, uma linguagem didática e simplificada e preguiçosa assim como uma linguagem exaustivamente rebuscada e confusa dificultam a tal tomada de posição diante do mundo. Numa sociedade complexa e com uma divisão do trabalho altamente diversificada não se pode forçar a todo público de cinema a adentrar o universo particular de autores grandiloquentes detentores de verdades herméticas. O limite entre exercício estilístico na linguagem e da comunicabilidade acessível é tênue e sem duvida caracterizam os grandes artistas. O que não quer dizer que o experimentalismo não seja pertinente e até mesmo crucial para a produção cinematográfica.

Outro aspecto amplamente apontado por Bernardet a respeito deste primeiro ciclo diz respeito ao distanciamento do universo de origem dos autores e obras em questão do mundo o qual eles retratam o que apenas reflete desenraizamento de sua classe e o vazio que preenche as suas existências, realizando na busca pelo outro uma legitimação da própria existência e uma (dês)conscientização acerca de um si alienado.

Os erros e os acertos deste primeiro ciclo de produção do Cinema Novo comportam para mim as questões mais relevantes na discussão sobre o movimento e toda produção da década de sessenta.

Segundo e Terceiro Ciclos do Cinema Novo

Neste ciclo[7] encontramos um momento de tomada de consciência dos próprios autores que agora abandonam o Brasil inóspito e retornam às metrópoles e a sua própria vida, uma vida desenraizada e pautada por uma violenta crise política, os filmes escolhidos para representar esta segunda fase são; “O Desafio”, de Paulo César Saraceni (1965), “Terra em Transe”, de Glauber Rocha (1967) e “Bravo Guerreiro” de Gustavo Dahl (1968). Assim, o principal diferencial entre o ciclo anterior e este diz respeito à questão da mudança de foco dos argumentos deixando de lado o Brasil distante e passando a retratar a realidade dos jovens cineastas. Mesmo que algumas inovações na linguagem sejam mantidas, os roteiros e a montagem sofrem uma amortização no experimentalismo e os filmes tornam-se mais compreensivos além de ainda manterem o papel autoral intocado e ainda assim como a mesma perspectiva independente em relação ao esquema industrial.

Num terceiro momento, filmes como “Dragão da Maldade Contra o Santo Guerreiro” de Glauber Rocha (1969), “Os Herdeiros” de Cacá Diegues (1969) e “Os Deuses Mortos” de Ruy Guerra (1970). Este terceiro ciclo já é marcado para uma acentuação do espetáculo como forma de atender as demandas do público, este momento prima pela busca de encher os olhos do espectador com cenários grandiosos e consequentemente uma abertura de concessões em relação á quantidade de recursos requeridos para a produção dos filmes decorrente de uma maior preocupação com o retorno financeiro dos mesmos. Outro aspecto é a acentuação do grotesco como uma forma de oferecer a violência espetacular e catártica tão desejada pelo público, violência muitas vezes representada por longos berros dilacerados denotando emoções extremas.

É inútil dizer que mesmo esta terceira fase fracassa o que nos faz retornar e repensar as posições de Dahl e de Bernardet já na metade inicial de década de 60, as concessões feitas pelos cinemanovistas não foram suficientes e neste período mesmo o principal ideólogo do Cinema Novo joga a toalha mudando então seu discurso, segundo Ramos sobre Glauber:

“o diretor reformula diversas de suas opiniões anteriores sobre o cinema industrial e a comunicação com o público. Esta emerge agora em primeiríssimo plano, relacionada não só ao setor de distribuição mas também à produção. Para Glauber ‘um dos problemas que existe na indústria são os diretores com [complexo de gênio]’(seriam os antigos autores?) ‘que sempre falam mal dos produtores’, fazem filmes horríveis, obrigando o produtor a cortar a obra”(RAMOS, 1987, pg.373).

Conclusão

Glauber demorou uma década para perceber estes pontos, mas mesmo assim, quando tudo parecia perdido este ataca em outro flanco, partiu rumo a novas experimentações, aproveitando uma pausa nas gravações de “Dragão da Maldade contra o Santo Guerreiro” ele aproveita alguns excedentes de produção e de profissionais disponíveis e filma “Câncer”, reinventando contraditoriamente a si próprio e dando inicio a mais um movimento polêmico e dissonante que viria a ser chamado de Cinema Marginal, o que será um outro capítulo da historiografia do cinema brasileiro. Embora existam divergências acerca do lugar de “Câncer” dentro deste nova cinematografia, queiram ou não, Glauber estava no mínimo antenado com o movimento que teriam como representantes, Julio Bressane, Esganzerla e outros.

Deste modo, tendo esta leitura particular de nossa cinematografia, compreendendo a sua exuberância e a confusão intrínseca à mesma, sempre tentando encarar isso de modo positivo vejo dentro destes movimentos e a partir de autores independentes como Biáfora e Khoury um sincero interesse em superar às dificuldades da produção cinematográfica brasileira. Não fecho necessariamente com nenhuma das visões defendidas de forma categórica e intransigente, embora perceba a necessidade de modernização, o que quer dizer uma melhoria da indústria e inovação responsável da linguagem. Percebo também a importância, mesmo hoje, de que os filmes sejam tratados como produtos em si próprios, conseguindo autonomia diante do mecenato estatal e de financiamentos oriundos da iniciativa privada, ambos que atuam no sentido de submeter os filmes aos seus próprios interesses de propaganda e contra os quais os cineastas citados travaram intensa luta, inclusive sob pena de não realizarem seus projetos.

Voltando a citar Avellar, não vejo de forma tão firme a necessidade de balizar toda a produção cinematográfica, que ela seja dissonante e cheia de vida, que continue a buscar seus pequenos ou grandes públicos realizando obras primas com fracassos financeiros ou sucessos de bilheteria. Talvez, eu concorde com Glauber em muitos poucos aspectos, entre eles o de que “o caminho do cinema são todos os caminhos”.(ROCHA, 1981,pg.148)

Bibliografia

AVELLAR, José Carlos. Introdução. IN: O Cinema dilacerado. Rio de Janeiro. Alhambra. 1986.

BERNARDET, Jean -Claude. Brasil em tempo de cinema. Ensaio sobre o cinema brasileiro de 1958 a 1966. Rio de Janeiro. Civilização Brasileira. 1967.

________________________ Para um cinema dinâmico. In: Revista Civilização Brasileira. Rio de Janeiro. Nº2, maio de 65.

DAHL, Gustavo. Cinema Novo e estruturas econômicas tradicionais. In: revista Civilização Brasileira. Rio de Janeiro. Nº 5-6, maço de 1966.

RAMOS, Fernão. Os Novos Rumos do Cinema Brasileiro (1955-1970) In: História do Cinema Brasileiro. (Org) RAMOS, Fernão. Art Editora Ltda. São Paulo. 1987.

ROCHA, Glauber. Revolução do Cinema Novo. Alhambra, Rio de Janeiro. 981.

Internet

http://cinestesis.blogspot.com/2007/07/sobre-os-cinemas_03.html

[1] Esta uma postura talvez influenciada em demasia pelo cinema soviético, sobretudo Eisenstein e a preocupação de um cinema engajado politicamente cuja principal função seria a conscientização do proletariado.

[2] Esta crítica é dirigida a Nelson Pereira, mais especificamente à tese apresentada pelo mesmo no Congresso paulista de Cinema Brasileiro, em 1952, mas que podem ser dirigidas a toda produção cinematográfica em questão.

[3] Embora enfoca-se também o problema da migração nordestina rumo à região sudeste, sobretudo Rio de Janeiro e São Paulo.

[4] É importante lembrar que Gustavo Dahl fora o primeiro Presidente da ANCINAV- Agência Nacional de Cinema cuja gestão durou de 2002 a 2006.

[5] Gostaria de incluir aqui um texto que escrevi e postei neste blog, Sobre os Cinemas,

. http://cinestesis.blogspot.com/2007/07/sobre-os-cinemas_03.html

[6] Por outro lado, é importante lembrar que alguns autores, como Marx, compreendem a sociedade capitalista moderna como uma sociedade que tem a crise como sua condição de existência, como dito no próprio Manifesto Comunista; “Tudo que é sólido desmancha no ar, tudo que é sagrado será profanado”.

[7] Prefiro o termo ciclo por este se referir a períodos históricos dinâmicos. O termo trindade me parece por demais místico, emprestando um encantamento às obras que não me parece muito pertinente.

Festival do Cinema Moderno da América Latina em Moscou

2008-06-02T10:17:00.000-07:00

Prezados ouvintes, em Moscou acontece o Festival do Cinema Moderno da América Latina. Os filmes são exibidos no Museu do Cinema, no edifício da Casa Central do Artista. O programa inclui filmes de Cuba, Venezuela, Colômbia, Brasil, México, Equador, Bolívia, Chile, Paraguai e Guatemala. E sobre esta festa do cinema na edição de hoje do nosso programa «No Mundo da Cultura».

Edição da nossa correspondente Ella Barisova.

A realização deste festival é uma iniciativa dos funcionários do Instituto da America Latina, da Academia de Ciências da Rússia, e do Museu do Cinema. O diretor do festival é famoso especialista em cinema Naum Cleyman que há muitos anos trabalha com a cinematografia latino-americana. E foi pela sua iniciativa que no Museu do Cinema já aconteceram muitas retrospectivas de filmes do México, Cuba, Brasil, Chile e Equador. Porém até o momento todo o brilho, talento e diversificação do cinema latino-americano são ainda pouco conhecidos do publico russo. O objetivo do primeiro festival do cinema moderno da America Latina é ampliar este conhecimento, fazer com que semelhantes acontecimentos sejam freqüentes e tradicionais.

Ao elaborar o programa deste festival seus organizadores desejavam não somente apresentar o cinema moderno da America Latina, mas também recordar ao público sobre os contatos artísticos entre os mestres cinematográficos russos e latino-americanos. E estes contatos começaram há muito tempo quando no inicio dos anos 30 o notável cineasta Serguei Eisenstein viveu em México quase dois anos onde rodava o filme sobre este país, sua historia e tradições. O filme de Serguei Eisenstein — «Viva o México», mesmo que não tenha sido concluído, entrou para o acervo do cinema mundial. E em nossa época o cineasta Igor Romanovsky, repetindo o itinerário de Serguei Eisenstein, criou o filme «Enfermidade mexicana», imagens que hoje são reconstituídas neste país latino-americano.

O filme — «Viva o México!» foi exibido no festival no dia 19 de fevereiro. Em breve nossos ouvintes também poderão ver este trabalho de Igor Romanovsky.
- Vamos falar do programa deste festival. Um dos seus tutores é o funcionário do Instituto da America Latina, Alexei Tchernishev. Aliás, a idéia de realizar este festival pertence ao grupo de jovens funcionários deste centro científico:

O programa é aquilo mesmo que imaginávamos, e chegamos à conclusão que deveríamos incluir 20 filmes de 11 países da América Latina, — disse Alexei Tchernishev. Recorremos à ajuda do Museu do Cinema, às embaixadas dos países latino-americanos em Moscou. Foi com alegria que nos deram este apoio, sendo que os filmes nós mesmos é que selecionamos.

O primeiro trabalho a ser exibido no festival foi o filme colombiano «Soñar no cuesta nada» do cineasta Rodrigo Triana. Filme rodado com base em acontecimentos reais ocorridos na Colômbia. Soldados do batalhão antiterrorista encontram o esconderijo dos rebeldes colombianos com 46 milhões de dólares. E acabando com a alegria desse achado inesperado entra em cena o desespero: a ponte – único meio de ligação com a civilização é explodida, o grupo de soldados fica isolado do restante do mundo. Agora o objetivo principal dos heróis é sair da selva e realizar os seus sonhos. O filme levou o prêmio «Goya» na Espanha na categoria de «Melhor filme estrangeiro em espanhol» e foi premiado no Festival Internacional do Cinema em Cartagena.

Em geral muitos filmes do nosso programa; prossegue Alexei Tchernyshev são trabalhos premiados. Por exemplo, o filme mexicano «No limiar» da cineasta Teresa Suares, onde atuam atrizes jovens, recebeu o premio «Deusa de Prata» da critica cinematográfica mexicana nas categorias «Melhor estréia», «Melhor atriz», «Ator. Revelação do ano».

E o filme do cineasta uruguaio, Guilhermo Casanova intitulado «Viagens ao mar» recebeu o premio de «Melhor filme» da Associação de críticos do cinema do Uruguai; o premio principal «Colón de Oro» de «Melhor ator» no festival do cine ibero-americano em Huelva. E também neste festival o premio «Don Quixote» foi concedido ao filme guatemalteco «O Silencio de Neto» do cineasta Luis Argueta. Nele são refletidos os acontecimentos históricos na Guatemala quando em 1954 se deu o golpe de Estado neste país. E neste tempo nada fácil é que cresce o menino Neto, sendo que sua vida e de sua família enfrenta mudanças devido às desavenças políticas.

Alexei Tchernyshev destaca no programa deste festival os filmes cubanos. De acordo com suas palavras estes filmes despertam grande interesse do nosso público:

Foi exibido o filme «Três vezes dois», produzido em 2004, — disse Alexei Tchernyshev. Este filme é uma trilogia composta de três novelas rodadas pelos jovens cineastas Pavel Giroud, Lester Hamlet e Estevan Insausti – representantes da nova onda do cinema cubano. O herói de uma das novelas é um jovem fotografo que se prepara para uma exposição muito importante para sua carreira. A heroína da segunda parte da trilogia é uma senhora idosa com o nome de Lila que sou sobre o retorno de uma pessoa que amou quando jovem. O enredo da terceira parte é a historia de duas pessoas solitárias. O amor delas foi substituído pela fantasia até serem novamente unidas pelo destino e a luz vermelha do semáforo. O filme recebeu o premio «Zênite de Prata» de «Melhor estréia» no Festival Internacional do cinema em Montreal, prêmios em festivais latino-americanos, foi calorosamente recebido pelos moscovitas. Como também o filme — «Viva Cuba» de Juan Carlos Cremata que retrata os problemas familiares, as relações dos pais com os filhos. Os heróis principais deste filme são dois adolescentes que juram amizade eterna apesar das desavenças entre seus pais. «Viva Cuba» recebeu o premio principal do Festival do Cinema Infantil na Alemanha, o premio principal em Cannes de «Melhor filme Infantil».

O terceiro filme cubano do nosso programa é «Suíte de Havana» do cineasta Fernando Peres dedicado a capital do país. «Suíte de Havana» — são cores vivazes, extraordinárias melodias populares e os contrastes da vida nada simples na Ilha da Liberdade.

O festival vai até 6 de março, — disse encerrando sua entrevista Alexei Tchernyshev. E da cada dia deste evento é a revelação do cinema moderno da America Latina e ao mesmo tempo a oportunidade extraordinária de conhecer o próprio continente, conhecer a vida dos seus povos. Nossos agradecimentos aos diplomatas e funcionários das embaixadas dos países latino-americanos em Moscou que nós ajudaram na organização e realização do festival. Aliás, essas pessoas são os convidados de honra do festival que apresentam os filmes dos seus países.

Um dia do festival quem apresentou o filme da Bolívia foi o assessor da embaixada do seu país em Moscou, senhor Xavier Viscarra. E sobre o filme ele também falou em entrevista ao nosso programa «No Mundo da Cultura» da «Voz da Rússia»:

Xavier Viscarra disse ser muito agradável para a embaixada de a Bolívia apresentar o filme «Visto norte-americano», criado em 2005 pelo cineasta — Juan Carlos Valdivia. Esta é a ecranização do romance de Juan de Recacochea sobre o boliviano que desejava emigrar aos EUA, sonhando com a vida feliz. Porém nas tentativas de obter o visto o herói se conscientiza gradualmente de que o sonho norte-americano é um mito e que existem outros caminhos de encontrar a felicidade; viver de forma interessante no próprio país.

Saudando o festival de Moscou, o assessor da Embaixada da Bolívia disse:
Javier Viscara disse que a iniciativa do Instituto da America Latina para realizar o festival do cinema moderno latino-americano é uma iniciativa extraordinária. O festival irá colaborar para a aproximação da Rússia e América Latina. Os filmes desta mostra refletem a vida real dos latino-americanos, permite conhecer sua historia e tradições. Em geral os contatos culturais são muito importantes, eles conduzem à interação mútua, à aproximação dos povos.

01.03.2008

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Fonte - http://www.ruvr.ru/main.php?lng=prt&q=2903&cid=78&p=01.03.2008

Ao som de Heitor Vila Lobos - Mazurkas Choro

Alemanha cindida

2008-05-12T18:02:00.000-07:00

de 1° a 14/5

Idade recomendada: 16 anos
retirada de ingressos: uma hora antes de cada sessão - entrada franca

Mostra de filmes que revelam as diferenças e divisões presentes na nação alemã, tais como a Segunda Guerra Mundial, a oposição comunismo-capitalismo do pós-guerra e a xenofobia e suas conseqüências na vida dos imigrantes nos dias atuais.

(Os filmes serão exibidos em suporte DVD)

dia 1°/5 - quinta

às 15h
Adeus, Lênin!
(Alemanha, 2003, cor, 120min)
direção: Wolfgang Becker - elenco: Daniel Brühl, Katrin Saß, Chulpan Khamatova
Pouco antes da queda do muro de Berlim uma mulher entra em coma e desperta dias depois. Temendo que as mudanças políticas no país agravem seu estado de saúde, seu filho elabora um plano para que ela acredite que tudo continua exatamente como antes.

às 17h
Meu irmão - we'll meet again
(Alemanha, 2005, cor, 57min)
direção: Thomas Heise - elenco: Andreas Heise
Amigos ativistas da República Democrática Alemã são usados pela polícia secreta da extinta Alemanha Oriental.

às 19h30
Lili Marleen
(Alemanha, 1980, cor, 120min)
direção: Rainer Werner Fassbinder - elenco: Hanna Schygulla, Giancarlo Giannini, Mel Ferrer
Cantora de cabaré faz sucesso entre os nazistas ao interpretar a canção Lili Marleen, um hino dos soldados de Hitler. Ela cai nas graças do partido até o momento em que se apaixona por um judeu e passa a apoiar a resistência a Hitler, mesmo sem ter muita consciência política.

dia 2/5 - sexta

às 15h
O casamento de Maria Braun
(Alemanha, 1978, cor, 120min)
direção: Rainer Werner Fassbinder - elenco: Hanna Schygulla, Klaus Löwitsch, Ivan Desny
Logo após casar-se com Maria, Hermann Braun parte para a guerra. Ele é dado como morto, mas reaparece ao final do conflito.

às 17h
Fogo que não se apaga
(Alemanha, 1969, P&B, 25min - DVD)
direção: Harun Farocki - elenco: Harun Farocki, Eckart Kammer, Hanspeter Krüger
Primeiro filme realizado por Farocki fora da Academia de Cinema, que faz a ligação entre o aspecto didático e a agitação política, por meio de uma rígida escassez de meios cinematográficos. O diretor aposta numa elaboração pedagógica contra o voyeurismo das reportagens da guerra do Vietnã.

às 19h30
Imagens da prisão
(Alemanha, 2000, P&B, 60min)
direção: Harun Farocki
No filme de Farocki o estabelecimento penal aparece como laboratório antropológico, onde, a partir do olho da câmara, é estudada a morte e a vida.

dia 3/5 - sábado

às 15h
Céu sem estrelas
(Alemanha, 1955, P&B, 109min)
direção: Helmut Käutner - elenco: Erik Schumann, Eva Kotthaus, Georg Thomalla
Trágica história de amor entre uma operária da Alemanha Oriental e um policial de fronteira da Alemanha Ocidental. Após a morte dele no front, ela dá à luz um bebê. Pressionada pelos pais dele, entrega seu filho para adoção.

às 17h
Black box brd
(Alemanha, 2000, cor, 100min)
direção: Andres Veiel - elenco: Volker Bohnet, Fritz Wepper, Michael Hinz
Em novembro de 1989, Alfred Herrhausen, presidente do Deutsche Bank, morre vítima de um atentado, cuja responsabilidade foi então atribuída à RAF (Fração Exército Vermelho). Quatro anos mais tarde, morre Wolfgang Grams, suposto membro da RAF. O filme investiga pistas e estabelece uma relação entre as duas biografias.

às 19h30
O medo devora a alma
(Alemanha, 1973/74, cor, 93min)
direção: Rainer Werner Fassbinder - elenco: Brigitte Mira, El Hedi Ben Salem, Barbara Valentin
Uma viúva se apaixona por um negro e muçulmano 20 anos mais novo. Eles decidem se casar e enfrentam os preconceitos quanto ao relacionamento. À medida que vão vencendo as dificuldades, começam a questionar a relação.

dia 4/5 - domingo

às 15h
O machão
(Alemanha, 1969, P&B, 88min)
direção: Rainer Werner Fassbinder - elenco: Hanna Schygulla, Lilith Ungerer, Elga Sorbas
Numa pequena cidade do Sul da Alemanha, um operário grego desperta a agressividade de um grupo de operários desempregados. Estes encontram uma vítima perfeita para descarregar todo o seu ódio pelos estrangeiros.
às 17h
O nono dia
(Alemanha, 2004, cor, 97min)
direção: Volker Schlöndorff - elenco: Ulrich Matthes, August Diehl, Hilmar Thate
Em 1942, o padre Henri Kremer recebe nove dias de liberdade do campo de concentração para decidir se deve convencer sua igreja a colaborar com os nazistas ou não. Dependendo da decisão, ele, sua família e confrades presos serão mortos. Baseado em trechos do diário do religioso Jean Bernard.

dia 6/5 - terça

às 15h
Lili Marleen
(Alemanha, 1980, cor, 120min)
direção: Rainer Werner Fassbinder - elenco: Hanna Schygulla, Giancarlo Giannini, Mel Ferrer
Cantora de cabaré faz sucesso entre os nazistas ao interpretar a canção Lili Marleen, um hino dos soldados de Hitler. Ela cai nas graças do partido até o momento em que se apaixona por um judeu e passa a apoiar a resistência a Hitler, mesmo sem ter muita consciência política.

às 17h
Adeus, Lênin!
(Alemanha, 2003, cor, 120min)
direção: Wolfgang Becker - elenco: Daniel Brühl, Katrin Saß, Chulpan Khamatova
Pouco antes da queda do muro de Berlim uma mulher entra em coma e desperta dias depois. Temendo que as mudanças políticas no país agravem seu estado de saúde, seu filho elabora um plano para que ela acredite que tudo continua exatamente como antes.

às 19h30
O último a saber
(Alemanha, 2006, cor, 72min)
direção: Marc Bauder, Dörte Franke
Quatro ex-prisioneiros políticos da RDA, condenados a penas de vários anos, relatam sobre suas experiências do passado e do presente.

dia 7/5 - quarta

às 15h
Fogo que não se apaga
(Alemanha, 1969, P&B, 25min - DVD)
direção: Harun Farocki - elenco: Harun Farocki, Eckart Kammer, Hanspeter Krüger
Primeiro filme realizado por Farocki fora da Academia de Cinema, que faz a ligação entre o aspecto didático e a agitação política, por meio de uma rígida escassez de meios cinematográficos. O diretor aposta numa elaboração pedagógica contra o voyeurismo das reportagens da guerra do Vietnã.

às 17h
Black box brd
(Alemanha, 2000, cor, 100min)
direção: Andres Veiel - elenco: Volker Bohnet, Fritz Wepper, Michael Hinz
Em novembro de 1989, Alfred Herrhausen, presidente do Deutsche Bank, morre vítima de um atentado, cuja responsabilidade foi então atribuída à RAF (Fração Exército Vermelho). Quatro anos mais tarde, morre Wolfgang Grams, suposto membro da RAF. O filme investiga pistas e estabelece uma relação entre as duas biografias.

às 19h30
O desespero de Veronika Voss
(Alemanha, 1981, P&B, 104min)
direção: Rainer Werner Fassbinder - elenco: Rosel Zech, Hilmar Thate, Cornelia Froboess
Um locutor esportivo conhece uma antiga estrela de cinema da UFA (empresa cinematográfica do Terceiro Reich). Ele tenta investigar por que ela se viciou em bebida e morfina e a influência que uma médica exerce em sua vida.

dia 8/5 - quinta

às 15h
Perder e ganhar
(Alemanha, 2006, cor, 96min)
direção: Ulrike Franke, Michael Loeken
Após oito anos, uma moderna fábrica construída na cidade de Dortmund, tem suas instalações fechadas e todos os projetos de construção vendidos a chineses. Os diretores acompanharam os trabalhos de desmontagem da empresa e todos os conflitos entre os poucos operários alemães que permaneceram e seus novos colegas.

às 17h
O casamento de Maria Braun
(Alemanha, 1978, cor, 120min)
direção: Rainer Werner Fassbinder - elenco: Hanna Schygulla, Klaus Löwitsch, Ivan Desny
Logo após casar-se com Maria, Hermann Braun parte para a guerra. Ele é dado como morto, mas reaparece ao final do conflito.

às 19h30
Luzes
(Alemanha, 2003, cor, 105min)
direção: Hans-Christian Schmid - elenco: Ivan Shvedoff, Anna Janowskaja, Sergej Frolov
O rio Oder separa Frankfurt da cidade polonesa Slubice e marca a divisão entre dois mundos bem diferentes. Ricos e pobres vivem nessa área em busca de felicidade. Retrato do drama recorrente na vida de vários personagens.

dia 9/5 - sexta

às 15h
Was lebst du?
(Alemanha, 2004, cor, 84min)
direção: Bettina Braun - elenco: Ali el Mkllaki, Kais Setti, Alban Kadiri, Ertan Dinc
Documentário que acompanhou durante anos quatro jovens, filhos de imigrantes do Marrocos, da Tunísia, Albânia e Turquia que tinham ido viver em Colônia.

às 17h
O medo devora a alma
(Alemanha, 1973/74, cor, 93min)
direção: Rainer Werner Fassbinder - elenco: Brigitte Mira, El Hedi Ben Salem, Barbara Valentin
Uma viúva se apaixona por um negro e muçulmano 20 anos mais novo. Eles decidem se casar e enfrentam os preconceitos quanto ao relacionamento. À medida que vão vencendo as dificuldades, começam a questionar a relação.

às 19h30
Céu sem estrelas
(Alemanha, 1955, P&B, 109min)
direção: Helmut Käutner - elenco: Erik Schumann, Eva Kotthaus, Georg Thomalla
Trágica história de amor entre uma operária da Alemanha Oriental e um policial de fronteira da Alemanha Ocidental. Após a morte dele no front, ela dá à luz um bebê. Pressionada pelos pais dele, entrega seu filho para adoção.

dia 10/5 - sábado

às 15h
Imagens da prisão
(Alemanha, 2000, P&B, 60min)
direção: Harun Farocki
No filme de Farocki o estabelecimento penal aparece como laboratório antropológico, onde, a partir do olho da câmara, é estudada a morte e a vida.

às 17h
O último a saber
(Alemanha, 2006, cor, 72min)
direção: Marc Bauder, Dörte Franke
Quatro ex-prisioneiros políticos da RDA, condenados a penas de vários anos, relatam sobre suas experiências do passado e do presente.

às 19h30
O desespero de Veronika Voss
(Alemanha, 1981, P&B, 104min)
direção: Rainer Werner Fassbinder - elenco: Rosel Zech, Hilmar Thate, Cornelia Froboess
Um locutor esportivo conhece uma antiga estrela de cinema da UFA (empresa cinematográfica do Terceiro Reich). Ele tenta investigar por que ela se viciou em bebida e morfina e a influência que uma médica exerce em sua vida.

dia 11/5 - domingo

às 15h
Luzes
(Alemanha, 2003, cor, 105min)
direção: Hans-Christian Schmid - elenco: Ivan Shvedoff, Anna Janowskaja, Sergej Frolov
O rio Oder separa Frankfurt da cidade polonesa Slubice e marca a divisão entre dois mundos bem diferentes. Ricos e pobres vivem nessa área em busca de felicidade. Retrato do drama recorrente na vida de vários personagens.

às 17h
Fogo que não se apaga
(Alemanha, 1969, P&B, 25min - DVD)
direção: Harun Farocki - elenco: Harun Farocki, Eckart Kammer, Hanspeter Krüger
Primeiro filme realizado por Farocki fora da Academia de Cinema, que faz a ligação entre o aspecto didático e a agitação política, por meio de uma rígida escassez de meios cinematográficos. O diretor aposta numa elaboração pedagógica contra o voyeurismo das reportagens da guerra do Vietnã.

dia 13/5 - terça

às 15h
Imagens da prisão
(Alemanha, 2000, P&B, 60min)
direção: Harun Farocki
No filme de Farocki o estabelecimento penal aparece como laboratório antropológico, onde, a partir do olho da câmara, é estudada a morte e a vida.

às 17h
O machão
(Alemanha, 1969, P&B, 88min)
direção: Rainer Werner Fassbinder - elenco: Hanna Schygulla, Lilith Ungerer, Elga Sorbas
Numa pequena cidade do Sul da Alemanha, um operário grego desperta a agressividade de um grupo de operários desempregados. Estes encontram uma vítima perfeita para descarregar todo o seu ódio pelos estrangeiros.

às 19h30
Meu irmão - we'll meet again
(Alemanha, 2005, cor, 57min)
direção: Thomas Heise - elenco: Andreas Heise
Amigos ativistas da República Democrática Alemã são usados pela polícia secreta da extinta Alemanha Oriental.

dia 14/5 - quarta

às 15h
Was lebst du?
(Alemanha, 2004, cor, 84min)
direção: Bettina Braun - elenco: Ali el Mkllaki, Kais Setti, Alban Kadiri, Ertan Dinc
Documentário que acompanhou durante anos quatro jovens, filhos de imigrantes do Marrocos, da Tunísia, Albânia e Turquia que tinham ido viver em Colônia.

às 17h
Perder e ganhar
(Alemanha, 2006, cor, 96min)
direção: Ulrike Franke, Michael Loeken
Após oito anos, uma moderna fábrica construída na cidade de Dortmund, tem suas instalações fechadas e todos os projetos de construção vendidos a chineses. Os diretores acompanharam os trabalhos de desmontagem da empresa e todos os conflitos entre os poucos operários alemães que permaneceram e seus novos colegas.

às 19h30
O nono dia
(Alemanha, 2004, cor, 97min)
direção: Volker Schlöndorff - elenco: Ulrich Matthes, August Diehl, Hilmar Thate
Em 1942, o padre Henri Kremer recebe nove dias de liberdade do campo de concentração para decidir se deve convencer sua igreja a colaborar com os nazistas ou não. Dependendo da decisão, ele, sua família e confrades presos serão mortos. Baseado em trechos do diário do religioso Jean Bernard.

Alexander Kluge

2008-05-12T17:47:00.000-07:00

de 13 a 18/5

co-realização: Instituto Goethe de São Paulo

Idade recomendada: 16 anos
retirada de ingressos: uma hora antes de cada sessão
Sala Lima Barreto - entrada franca

Homenagem a Alexander Kluge, um dos principais cineastas alemães da segunda metade do século 20 e um dos fundadores do chamado Novo Cinema Alemão.

dia 13/5 - terça

16h
Despedida de ontem
(Abschied von gestern, 1965/66, P&B, 84min - suporte DVD -legendas em espanhol)
direção e roteiro: Alexander Kluge - elenco: Alexandra Kluge, Günter Mack, Eva Maria Meineke, Hans Korte
Uma jovem é presa ao roubar um pulôver. Após cumprir pena, ela tenta recomeçar sua vida, mas acaba indo para a cadeia novamente. Roteiro baseado na história de Anita G.

18h
Os artistas sob a cúpula do circo: perplexos
(Die Artisten in der Zirkuskuppel: Ratlos, 1968, cor, 103min - suporte DVD - legendas em espanhol)
direção: Alexander Kluge - elenco: Hannelore Hoger, Alfred Edel, Bernd Hoeltz, Siegfried Graue
Leni Peickert se propõe a fundar um circo diferente, mas adia a inauguração ao perceber que seus colaboradores reagem mal à idéia de um circo reformado.

20h
A indomável Leni Peickert
(Die unbezähmbare Leni Peickert, 1967/69, cor e P&B, 33min - suporte DVD - legendas em espanhol)
direção e roteiro: Alexander Kluge - elenco: Hannelore Hoger e outros
Outros empreendimentos da indomável dona de circo Leni Peickert: circo no inverno; encontro com colegas russos; adágios e poemas de sua autoria; luta por espaço na programação da TV.

Ferdinando, o forte
(Der starke Ferdinand,1975/76, cor, 79min - suporte 16mm - legendas em português)
direção: Alexander Kluge - elenco: Heinz Schubert, Verena Rudolph, Gert Günther Hoffmann, Heinz Schimmelpfennig
Ferdinand Rieche, um antigo delegado, é agora chefe de segurança de uma grande empresa química. Aos 50 anos foi expulso da polícia por ter se mostrado muito diligente quando não devia e por não obedecer aos seus superiores.

dia 14/5 - quarta

16h
O grande caos
(Der Grosse Verhau, 1969/70, cor e P&B, 90min - uporte DVD - legendas em espanhol)
direção e roteiro: Alexander Kluge - elenco: Vinzenz e Maria Sterr, Hannelore Hoger, Hark Bohm
A galáxia está tomada pela guerra civil. Entretanto, a Sociedade do Canal de Suez demonstra capacidade de sobrevivência mesmo tendo perdido seu bem original: o Canal. Algumas personagens habitam o cosmo. As histórias relatadas em Processos de aprendizagem com morte no final, originalmente publicadas no livro Unheimlichkeit der Zeit (O caráter inquietante do tempo), de Kluge, dão continuidade ao filme.

18h
Programa de curtas Alexander Kluge
(suporte 16mm - 98min - legendas em português)

Brutalidade em pedra - A eternidade de ontem
(1960, P&B - suporte 12min)
produção, roteiro, montagem e direção: Alexander Kluge, Peter Schamoni
Análise do sistema nacional-socialista, baseando-se em sua arquitetura. Para isso, são utilizadas imagens da "área do partido do Reich", em Nuremberg, e os projetos de um pavilhão de congressos em estilo romano.
Professor em transformação
(1962/63, P&B, 11min)
produção, roteiro, montagem e direção: Alexander Kluge
Três professores do período nazista servem de pretexto para o diretor refletir sobre uma "Educação sem perspectivas".
Retrato de quem deu certo
(1964, P&B, 10min)
roteiro e direção: Alexander Kluge
História de um ex-policial oportunista, que serviu a seis governos e "sempre se deu bem".
A Sra. Blackburn, nascida em 5 de janeiro de 1872, é filmada
(1967, P&B, 14min)
roteiro e direção: Alexander Kluge
Primeiro filme de Kluge sobre um membro de sua própria família. A Sra. Blackburn, 95 anos, é a sua avó. Kluge permite que ela conte e improvise, e introduz uma pequena ação narrativa.
Bombeiro E. A. Winterstein
(1968, P&B, 11min)
roteiro e direção: Alexander Kluge
Trata-se de um filme totalmente confuso, realizado com material documentário e restos do filme Despedida de ontem. Uma colagem de associações e montagens.
Notícias dos Staufer
(1977, cor e P&B, 40min)
roteiro e direção: Alexander Kluge e Maximiliane Mainka
Realizado durante a grande exposição dos Staufer, em Stuttgart. O material é usado por Kluge para demonstrar a tese de que os alemães, em sua história milenar, sempre se agarram à esperança de um "salvador".

20h
Willi Tobler e a queda da 6ª frota
(Willi Tobler und der Untergang der 6. Flotte, 1971, cor e P&B, 78min - suporte DVD - legendas em espanhol)
direção: Alexander Kluge - elenco: Alfred Edel, Helga Skalla, Hark Bohm, Kurt Jürgens
Guerra civil galáctica, final de 2040. Depois de um bombardeio cósmico, Willi Tobler resolve se desvencilhar de todos os seus bens e de todos os propósitos e virtudes. Livre de responsabilidade, ele quer agora cuidar da própria segurança e oferece seus serviços a um almirante sideral. Recebe o posto de porta-voz de imprensa da 6ª frota, mas seu engajamento torna-se uma armadilha.

dia 15/5 - quinta

16h
Trabalho ocasional de uma escrava
(Gelegenheitsarbeit einer Sklavin, 1973, P&B, 91min - suporte DVD - legendas em espanhol)
roteiro e direção: Alexander Kluge - elenco: Alexandra Kluge, Bion Steinborn, Franz Bronski, Sylvia Gartmann
Roswita Bronski dirige uma agência clandestina de aborto. Quando o lugar é fechado pela polícia, ela se torna uma ativista política na fábrica onde seu marido trabalha e ele acaba sendo despedido por causa disso. Ela começa, então, a distribuir panfletos políticos, num quiosque na frente da empresa.

18h
O poder dos sentimentos
(Die Macht der Gefühle, 1983, P&B e cor, 115min - suporte 16mm - legendas em português)
direção: Alexander Kluge - elenco: Hannelore Hoger, Alexandra Kluge, Edgar Boehlke, Barbara Aver
Em pequenas histórias, Kluge mostra o poder e o efeito dos sentimentos utilizando colagem de imagens e sons. Ele tenta transmitir ao espectador a dialética do comportamento humano regido por sentimentos.

20h
Em caso de perigo e grande risco, o meio-termo leva à morte
(In Gefahr und größter Not bringt der Mittelweg den Tod, 1974, P&B, 90min - suporte 16mm - legendas em portugues)
roteiro e direção: Alexander Kluge - elenco: Dagmar Bödderich, Jutta Winkelmann, Norberg Kentrup, Kurt Jürgens
Em Frankfurt, a polícia realiza uma violenta desocupação de casas, em pleno carnaval. Desabrigadas, duas mulheres perambulam pela cidade: uma garota de programa e ladra e uma espiã da Alemanha Oriental.

dia 16/5 - sexta

16h
Ferdinando, o forte
(Der starke Ferdinand,1975/76, cor, 79min - suporte 16mm - legendas em português)
direção: Alexander Kluge - elenco: Heinz Schubert, Verena Rudolph, Gert Günther Hoffmann, Heinz Schimmelpfennig
Ferdinand Rieche, um antigo delegado, é agora chefe de segurança de uma grande empresa química. Aos 50 anos foi expulso da polícia por ter se mostrado muito diligente quando não devia e por não obedecer aos seus superiores.

18h
A patriota
(Die Patriotin, 1979, P&B e cor, 121min - suporte 16mm - legendas em português)
roteiro e direção: Alexander Kluge - elenco: Hannelore Hoger, Dieter Mainka, Alfred Edel, Kurt Jürgens
A professora Gabi Teichert busca as raízes da História alemã. É preciso descobri-la se não quisermos ser mortos por ela. Alexander Kluge passa em revista a história alemã. Uma colagem bem-humorada, que também deixa espaço para o sonho e a fantasia.

20h
Alemanha no outono
(Deutschland im Herbst, 1978, cor e P&B, 119min - suporte DVD - legendas em espanhol)
direção: Alexander Kluge, Volker Schlöndorff, Rainer Werner Fassbinder, Alf Brustellin, Bernhard Sinkel, Katja Rupe, Hans Peter Closs, Edgar Reitz, Maximiliane Mainka, Peter Schúbert - elenco: Rainer Werner Fassbinder, Armin Meier, Liselotte Eder, Hannelore Hoger
Outono de 1977. Um filme coletivo que é uma continuação coerente do filme de autor. Ele mistura temperamentos, aglutina forças e põe em marcha vários outros filmes (na seqüência, Fassbinder filmou A terceira geração, e eu, A patriota).

dia 17/5 - sábado

16h
Guerra e paz
(Krieg und Frieden, 1982/83, 118min - suporte DVD - legendas em espanhol)
direção: Alexander Kluge, Stefan Aust, Axel Engstfeld, Volker Schlöndorff
Em 1945, se a guerra na Europa não tivesse acabado em maio, mas só em agosto, a bomba atômica poderia ter sido lançada não sobre Hiroshima, mas sobre Berlim (Valentin Falin). O tema é a marcha dos 300 mil manifestantes que foram a Bonn protestar. Ao final do processo, caiu o primeiro-ministro Helmut Schmidt, em razão da crise na esfera pública, que abalava o país.

18h
Notícias variadas
(Vermischte Nachrichten, 1986, 103min - suporte DVD - legendas em espanhol)
roteiro e direção: Alexander Kluge - elenco: Jutta Hoffmann, Armin Mueller-Stahl, Michael Rehberg, Rosel Zech
Nos jornais antigos, as notícias variadas podiam ser encontradas na última página. Sem tanta vigilância editorial, retratavam todo tipo de história, como a do filho que protege a mãe com uma arma, um caso de canibalismo em Stalingrado ou a recepção oferecida por Honnecker no dia em que a lei marcial foi imposta na Polônia.

20h
O candidato
(Der Kandidat, 1980, cor, 124min - suporte DVD - legendas em espanhol)
direção: Stefan Aust, Alexander Kluge - elenco: Wolf Biermann, Karl Carstens, Edmund Stoiber, Franz Joseph Strauss
Por ocasião da candidatura de Franz Josef Strauss ao posto de primeiro-ministro, Volker Schlöndorff, Stefan Aust e Alexander Kluge se reúnem para realizar mais uma produção conjunta. O filme retrata a campanha eleitoral e questões da esfera política.

dia 18/5 - domingo

16h
O ataque do presente contra o restante do tempo
(Der Angriff der Gegenwart auf die übrige Zeit, 1985, cor, 113min - suporte 16mm - legendas em português)
roteiro e direção: Alexander Kluge - elenco: Jutta Hoffmann, Armin Mueller-Stahl, Rosel Zecy, Alfred Edel
O filme mostra pessoas que se tornaram superficiais, chefes apressados e pessoas que detêm o poder, mas não têm tempo de exercê-lo. Várias histórias que abordam questões relacionadas à utilização do tempo no século 20.

18h
Serpentine Gallery Program 1995 - 2005
(suporte DVD - 52min - legendas em espanhol)

Ich War Hitlers Bodyguard
(2000, 45min)
O perfil de Manfred Pichota aparece em vários documentos históricos. O que ele pode dizer sobre isso?
Minutenfilme
(2006, 7min)
Fragmentos de programas televisivos.

20h
O poder dos sentimentos
(Die Macht der Gefühle, 1983, P&B e cor, 115min - suporte 16mm - legendas em português)
direção: Alexander Kluge - elenco: Hannelore Hoger, Alexandra Kluge, Edgar Boehlke, Barbara Aver
Em pequenas histórias, Kluge mostra o poder e o efeito dos sentimentos utilizando colagem de imagens e sons. Ele tenta transmitir ao espectador a dialética do comportamento humano regido por sentimentos.

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Ao som de Lee Morgan - Mr Kenyatta

Quando a Arte é oxigênio.

2008-05-11T16:17:00.000-07:00

O cineasta (“O Maior”, segundo Ingmar Bergman) premiado em Cannes com “O Sacrifício” fala do Exílio e da arte na URSS.

O nome de Andrei Tarkóvski certamente não diz muita coisa para o grande público. Sabe-se dele, por conta do prêmio de júri em Cannes para o seu filme “O Sacrifício, que é u m cineasta russo dissidente em luta contra o câncer. Para Ingmar Bergman ele é ‘o maior, o que inventou uma nova linguagem, bem de acordo com a natureza do cinema, já que captura a vida como um reflexo, como um sonho”. No Brasil, os cinéfilos conhecem pelo menos dois trabalhos de Tarkóvski, ambos próximos da ficção científica, mas sem o frenesi tecnológico que domina o gênero: Solaris também premiado pelo júri de Cannes em 1972 e que muitos viram como uma resposta do Leste ao 2001 de Stanley Kubrick; e Stalker , de 1979, que o público elegeu o melhor filme de recente Mostra Internacional de Cinema, no Museu de Arte de São Paulo.

Há quem, a exemplo de Bergman, considere Tarkóvski o maior cineasta russo vivo - um conceito reforçado pelo caráter de seus filmes, muito pessoais e poéticos, que não fazem concessões nem aos apelos de bilheteria fácil nem às imposições dos burocratas soviéticos. A vida, e tudo o que ela contém de contraditório e absurdo – é a matéria prima desse homem de cinema obcecado pela busca da beleza e do inesperado. Há um ano Andrei Tarkóvski optou pelo exílio e foi morar na Itália, onde já havia realizado um filme em 1983 – Nostalgia – a convite da RAI (Rádio e Televisão Italiana) e autorizado pelos burocratas soviéticos. O Sacrifício, premiado este ano em Cannes, foi filmado na Suécia, com apoio do Ministério da Cultura da França. Nesta entrevista à VISÃO, Andrei Tarkóvski explica as razões que o fizeram deixar a União Soviética.

Tarkóvski - Depois que Nostalgia ficou pronto e foi exibido em Cannes, escrevi uma carta às autoridades do cinema em Moscou e até ao Comitê Central do partido, e a Constantin Chernenko, que estava lá na ocasião, pedindo permissão para ficar trabalhando mais três anos no exterior e para que meu filho Andrei e minha sogra viajassem ao meu encontro - minha esposa já estava comigo. Durante este período eu faria um filme e depois voltaria para casa. Esperei anos por uma resposta.

Edelhajt – Sua decisão foi influenciada pelo desejo de trabalhar em condições melhores, livre de restrições e pressões a que estava sujeito?

Tarkóvski – Não, absolutamente. Não dependo de ninguém e sempre fiz os filmes do jeito que queria. Por isso, talvez, nunca fiquei rico com o cinema, o que para mim também não tem a menor importância. A minha decisão de não voltar à União Soviética não significa que eu considere o mundo e as idéias divididos em dois campos diferentes. Somente os idiotas fazem este tipo de distinção entre as pessoas do ocidente e as do Oriente.

Edelhajt - No filme “Nostalgia” há uma cena em que o poeta, questionado, declara com amargura: “E o que você sabe da Rússia? Você não sabe nada.” Esta é uma reação típica de alguém do Leste, principalmente da Rússia. Mas é, também, reveladora de todos os complexos que os Europeus do Leste têm em relação ao resto do mundo.

Tarkóvski – As palavras do poeta são minhas palavras. Quanto mais eu vivo no Ocidente, mais estou convencido, ainda que isso possa parecer ridículo; o que as pessoas sabem realmente da Rússia?

Edelhajt – “E o que as pessoas deveriam saber”?

Tarkóvski – Não sei. É algo que é preciso sentir. O que quero dizer é que, se a Rússia representa uma ameaça para o mundo hoje, também representa uma forma de esperança – e isso não tem nada a ver com a política nem com o comunismo. A esperança está na enorme força espiritual do povo russo, que desempenhará importante papel na evolução geral da civilização no futuro. E isso não tem nada a ver com nenhum processo político. É um fenômeno espiritual.

Edelhajt – As autoridades em Moscou nunca aceitaram seus filmes, quer pela sua forma, quer pelo seu conteúdo...

Tarkóvski – Mas não é por isso que meus filmes desagradam às autoridades. Elas percebiam que havia algo de fundamentalmente inaceitável em meus filmes, mas nunca puderam pôr as mãos neles. Sabe por quê? O que perturbava as autoridades soviéticas não era nem os conteúdos nem as idéias dos filmes, e sim o aspecto artístico em si. Elas recusam-se a aceitar que a arte em sua forma pura, possa existir. E o que torna a arte poderosa não são as idéias que ela transmite – as pessoas que acreditam nisso estão enganadas e são, em geral, visionárias. O que torna a arte poderosa é, exatamente, o fato de ser arte, a manifestação de um fenômeno indefinível que resiste às prescrições da vontade humana e dos sistemas sociais.

Edelhajt – Há dez anos o diretor soviético Boris Barnet suicidou-se e, depois, houve o caso de Sergei Paradzhanov (diretor de “Cavalos de Fogo”, exibido no Brasil), que passou anos na prisão. Casos como esses não são comuns no cinema russo?

Tarkóvski – Nesta vida, se paga por tudo o que se faz, depois de sair da prisão, Paradzhanov fez m filme e começou agora outro. Quanto ao suicídio de Barnet, respondo dizendo que também no Ocidente o número de suicidas não é desprezível. Portanto seria ingênuo tirar conclusões destes dois casos específicos ou tirar daí alguma teoria. Mas voltando a falar de arte, de cinema, observo que no ocidente a arte parece menos essencial do que é para nós. Aqui, somente o sucesso financeiro parece dar uma razão suficiente para viver. O que quero dizer é que na Rússia a vida sem alguma forma de consciência espiritual parece absolutamente impensável.

Edelhajt – Será esta uma das características das nações cujo povo não goza de liberdade individual? E, desculpe, não há nessa pergunta nenhum sentido pejorativo...

Tarkóvski – Não sei. Talvez.

Edelhajt – Na Rússia e estados vizinhos criam-se mitos e as pessoas aceitam com facilidade tudo o que possa compensar ou substituir as liberdades fundamentais que perderam...

Tarkóvski – Não é isso que eu queria dizer. Não estava pensando na arte oficial, aquela que é permitida. Estava pensando na arte em geral, no significado e na missão da arte. Em Leningrado, há um jovem diretor, Alexander Sokúrov, que é um verdadeiro gênio. Ele conseguiu concluir um filme que, normalmente, seria condenado a nunca ver a luz do dia e sequer a ser filmado. Terminada a montagem, as autoridades, suspeitando que o filme não fosse adequado à exibição pública, exigiram uma cópia. Sokúrov recusou e ameaçou pular da janela junto com a cópia caso elas tentassem obtê-la pela força. As autoridades propuseram então que o filme fosse exibido normalmente e ele aceitou. Resultado: Sokúrov nunca mais viu a cópia do seu filme. Com isso quero dizer o seguinte: aqui, no Ocidente, a arte é um prazer; lá, é oxigênio.

Observações: Bem, aqui vai mais uma entrevista do Andrei Tarkóvski. Eu tirei esta entrevista do livro do CEDUC Vídeo 101, um volume específico sobre o Stalker do cineasta em questão. Este livro encontra-se na Biblioteca da PUC/SP. Esta entrevista, originalmente, fora publicada na revista VISÃO de 18/06/1986.

Ao som de Art Davis – Add.

Mostra: Eterno Enquanto Durou

2008-04-30T12:51:00.000-07:00

de 05 a 16 de maio

Não se sabe bem quando, nem onde tudo começou, talvez Freud explique, mas fato é que desde os tempos mais remotos uma das grandes preocupações do Homem é a de encontrar um alguém, um par com quem possa dividir suas angústias e seus prazeres, um amor. Sob diferentes olhares esse tema foi retratado infinitas vezes em todas as áreas artísticas. No caso do cinema não seria diferente.

Já no início do período clássico temos centenas de obras cujo tema principal é o amor e sua trajetória até o Happy End, momento em que os “pombinhos” se casam e vivem “felizes para sempre”. Essa estrutura característica dos romances burgueses do século XIX foi apropriada pelo cinema quase que no mesmo instante em que este se tornou narrativo. Trabalhada nos mais diversos gêneros, esse modelo consagrou-se dominando o imaginário popular. É interessante notar que assim o cinema acabou por reforçar a visão idealizada sobre o casamento dentro dos ideais judaico-cristãos.

No entanto, não demorou para que surgissem filmes cuja narrativa iria na direção oposta. O cinema moderno, recusando-se a enxergar o amor por essa ótica idealizada, apresentou uma proposta mais crua e complexa desse fenômeno que é a vida a dois. Essa é justamente a proposta da presente mostra do CINUSP “Paulo Emílio”, trazer à tona obras que problematizam a relação amorosa.

SINOPSES

Amor à Tarde (Amour l'après midi)

Direção: Eric Rohmer

País/Ano: França / 1972 - Duração: 97 minutos - Cor , 35mm

Elenco: Bernard Veley, Zouzou, Françoise Verley, Daniel Ceccaldi

Frédéric e Hélène são casados e levam uma pacata vida burguesa. Frédèric considera-se muito feliz ao lado da esposa, porém sonha acordado, todas as tardes, com outras mulheres, nunca cogitando concretizar seus sonhos. Em uma ocasião, conhece Chloe, que passa a visitá-lo no trabalho constantemente. À medida que Chloe tenta seduzir Frédèric, ele se encontra em meio a um dilema moral: trair ou não Hélène?

Domicílio Conjugal ( Domicile Conjugal)

Direção: François Truffaut

País/Ano: França / 1970 - Duração: 100 minutos - Cor, 35mm

Elenco: Jean-Pierre Léaud, Claude Jade, Hiroko Berghauer, Barbara Laage

Antoine e Christine são casados e vivem tranquilamente em Paris, após o nascimento do filho. Antoine começa a trabalhar em uma empresa, quando conhece Kyoto, uma jovem que se apaixona por ele. Kyoto seduz Antoine e Christine descobre a traição. Antoine vai morar com Kyoto, porém a relação se desgasta e Antoine tenta de todas as maneiras obter o perdão de Christine. Antoine sempre visita o filho e começa a se reaproximar de Christine.

5 x 2 – Amor em Cinco Tempos (5 x 2)

Direção: François Ozon

País / Ano: França / 2006 - Duração: 86 min - Cor, 35mm

Elenco: Valeria Bruni, Tadeschi, Stephane Freiss, Geraldine Pailhas

Todas as etapas do relacionamento de Marion e Gilles são apresentadas em cinco seqüências, partindo do divórcio até chegar ao momento em que os dois se conheceram. Ozon realiza um filme sobre o Amor: seu fim e início.

Eu sei que vou te amar

Direção: Arnaldo Jabor

País / Ano: Brasil / 1987 - Duração: 115 minutos - Cor, DVD

Elenco: Fernanda Torres, Thales Pan Chacon

Casal se reencontra após um ano de separação. Trancados em um apartamento, começam a remoer o passado e a descobrir as mentiras que um contava ao outro quando estavam juntos. As máscaras caem, surgem outras durante as discussões. A sessão de análise do casal é permeada pela atração e o amor que ainda resta um pelo outro.

Cenas de um casamento Parte I e Parte II ( Scener ur ett äktenskap)

Direção: Ingmar Bergman

País / Ano: Suécia / 1974 - Duração: 299 minutos - Cor , DVD

Elenco: Liv Ullmann, Erland Josephson, Bibi Andresson, Jan Malmsjö

Marianne e Johan são casados e possuem uma vida tranqüila. Certo dia, Johan diz a Marianne que vai embora pois está apaixonado por uma jovem de 23 anos. Os dois se separam, Johan sai do país. Meses depois, Johan rompe seu relacionamento com a jovem e retorna à Suécia, onde Marianne encontra-se em outro relacionamento. Johan e Marianne passam a manter encontros às enscondidas, mantendo sua cumplicidade.

A Noite ( La notte)

Direção: Michelangelo Antonioni

País / Ano: França, Itália / 1961 - Duração: 122 minutos - P&B , 35mm

Elenco: Jeanne Moreau, Marcello Mastroianni, Bernhard Wicki, Monica Vitti

Lídia e Giovanni refletem sobre seu casamento em uma noite de festas, andanças, encontros, flertes e traições.

A Estrada (La Strada)

Direção: Frederico Fellini

País / Ano: Itália / 1954 - Duração: 104 minutos - P&B , 35mm

Elenco: Giuletta Masina, Richard Baseheart, Anthony Quinn, Aldo Silvani

Gelsomina, jovem sonhadora e doce é vendida para Zampano, homem rude e amargo. Os dois viajam apresentando-se em várias cidades e Gelsomina passa a ajudar nos números de Zampano. Na estrada, em alguma de suas andanças, conhecem um equilibrista, que muda a vida dos dois.

GRADE DE PROGRAMAÇÃO

Segunda

05/05

Terça

06/05

Quarta

07/05

Quinta

08/05

Sexta

09/05

16h

Eu sei que vou te amar

5 x 2

A Noite

A Estrada

A Noite

19h

A Noite

Cenas de um casamento Parte I

5 x 2

Cenas de um casamento

Parte II

A Estrada

Segunda

12/05

Terça

13/05

Quarta

14/05

Quinta

15/05

Sexta

16/05

16h

Cenas de um casamento Parte I

Eu sei que vou te amar

Cenas de um casamento

Parte II

Amor à tarde

Domicílio Conjugal

19h

Amor à tarde

Domicílio Conjugal

Eu sei que vou te amar

Domicílio Conjugal

Amor à tarde

UNIVERSIDADE DE SÃO PAULO

Pró-Reitoria de Cultura e Extensão Universitária – PRCEU

CINUSP “Paulo Emílio”

Rua do Anfiteatro, 181 – colméia favo 37 (administração) – Favo 04 (projeção)

www.usp.br – cinusp@edu.usp.br

Fones: 3091-3540/3152 - fone/fax: 3091-3364

Entrada Franca - 100 lugares

Som Dolby Stéreo

Mãe e Filho - Alexander Sokúrov

2008-02-04T19:50:00.000-08:00

"No meu entender... as pessoas vivem sem nenhum propósito específico. Mas morrem por um propósito específico” diz o filho à mãe. Sem dúvida, no século XX, muitos morreram pelos mais diversos propósitos.

O sentido último da vida é a vida em si e suas contradições insolúveis, a natureza e seus ciclos; a mãe que guiou o filho ao mundo, o filho que acompanha a mãe em sua agonia, o esforço doloroso de cada um em seus momentos mais importantes, não há nada mais importante e belo.

Obviamente, como não parece sê-lo a princípio, o trabalho deste cineasta tem um objetivo bem definido (e que não é a morte). Sokúrov, assim como a grande tradição “espitirualista” russa, é um crítico ferrenho de nossa contemporaneidade, nossa vida mecânica, agitada e cada vez mais desencantada. Como não poderia deixar de ser, surge aqui uma questão importante; que filhos hoje passam junto aos pais os minutos finais das vidas destes? Estamos cada dia mais condenados a uma morte asséptica em unidades de tratamento intensivo acompanhados por profissionais que muitas vezes ao menos sabemos o nome, pessoas as quais não sabemos que pratos preferem, do que não gostam de comer, se roncam quando dormem, ou se tem cócegas nos pés, ou se preferem a primavera ou o inverno...

A morte ideal (por que não a vida ideal?!) é aquela orgânica, fundida à natureza, mãe última a qual o homem deveria estar ternamente ligado, cercado por aqueles que carregam do mesmo sangue ou uma profunda simpatia espiritual, não aquela entre profissionais pagos para isso. Seria cômico, se não trágico, uma enfermeira esperando que um paciente morra depois do término de seu expediente, para lhe "poupar os nervos"...

A perfeita expressão dos anseios do artista encontra-se na beleza da imagem artística por este criada, para a qual categorias como forma e conteúdo tornam-se apenas categorias formais vazias de sentido e de vida; a arte busca pela verdade - não pela verdade científica ou teológica - busca por uma verdade que é até ultima instância, e apesar de tudo e de todos, bela. Neste ponto, ético e estético também tornam-se categorias sem sentido, pois fundem-se organicamente.

Em minha opinião a perspectiva inovadora – faço referência á plasticidade dos planos – esta que não é gratuita, pois como diria Tarkovski, um companheiro que precedeu Alexander; “Tudo o que há de novo na arte surgiu em resposta a uma necessidade espiritual”. O anseio de Sokúrov por aquilo que nos faz efetivamente humanos o levou a uma “deformação” do visual, tal como o vivenciamos no dia a dia, de modo a criar uma imagem artística organicamente viva e de extrema beleza, mesmo que moribunda e mórbida...

As constantes afirmações e comparações com as obras de pintores não fazem juz ao talento de Sokúrov.

Por outro lado, um pensamento vem me acompanhando, e acentuou-se enquanto assistia ao filme. Alguns artistas buscam os limites de sua arte e o que a distingue das outras, o próprio Tarkovski o faz durante seu livro todo, sempre dizendo que o cinema ainda não encontrara sua linguagem e que ele precisaria se distanciar e se libertar das outras artes, como a literatura, o teatro e a música[1], talvez, o que Tarkovski não tenha percebido – não sei sobre Sokurov - é que o que eles talvez buscaram e busquem seja algo como uma arte total, talvez seja esta a vocação do cinema, como a Arte Monumental de Kandinsky, não é pintura, não é música, literatura ou poesia, me pergunto – com uma provocação - seria cinema?

[1] Fato muito interessante é o fato de Tarkovski escrever um livro que se chama “ESCULPIR o Tempo”, tomando emprestado da escultura um termo que definiria a arte cinematográfica.

Mostra Paulo Emilio: Uma Homenagem

2007-09-17T08:57:00.001-07:00

17 a 28 de setembro no CINUSP

Paulo Emilio Salles Gomes (1916-1977) foi escritor, crítico e professor de cinema da Universidade de São Paulo. Fundou o Clube de Cinema da Faculdade de Filosofia da USP nos anos 40, foi o responsável pela direção da filmoteca do MASP (que depois se transformaria na Cinemateca Brasileira) e organizou o primeiro curso de cinema no Brasil, em 1965, na Universidade de Brasília. Considerado um divisor de águas do pensamento cinematográfico no Brasil, Paulo Emilio configura-se como uma fundamental referência para a reflexão crítica da produção audiovisual brasileira.

Sabemos que, quando se torna muito técnica e específica, a crítica de arte corre o risco de apagar a riqueza da experiência artística, desvinculando-a da vida. Na crítica cinematográfica não devemos nos ater somente à técnica pela técnica, sem nos questionarmos como essa também se insere em um universo maior, ou seja, como ela se relaciona com a cultura, com a criatividade artística, e em última instância, com a própria vida. É justamente nessa forma de análise que se destaca Paulo Emilio. Suas críticas possuem um caráter subjetivo essencial e, de maneira muito fluída, envolvem todo o seu universo cultural, deixando vir à tona os próprios sentimentos que o cinema lhe proporciona.

É com o objetivo de reviver a crítica de Paulo Emilio, tão importante à história do cinema nacional, que a mostra “Paulo Emilio: Uma Homenagem” se faz pertinente neste ano em que se relembram os 30 anos de seu falecimento. Revisitar a sua crítica é, antes de tudo, reviver pontos altos da história do cinema através de um olhar profundo e sensível.

Sinopses e Trechos das Críticas de Paulo Emílio Salles Gomes

Paulo Emílio (Brasil - 1981) Dir. Ricardo Dias 1

Duração: 20 min. 35mm

Documentário de curta-metragem sobre Paulo Emílio, o filme evoca o contato do professor de Cinema Brasileiro com seus alunos e reconstitui situações de aula.

Tesouro Perdido (Brasil - 1927). Dir. Humberto Mauro.

Duração: 56 min. 16mm

Sinopse: É um filme mudo sobre os desencontros de dois irmãos criados órfãos de pai. Ao completarem a maioridade, cada um recebe a metade de um mapa de tesouro.

“A barreira de degradação fotográfica, que habitualmente se antepõe entre O Thesouro Perdido e o espectador atual, é aqui vencida pelo frescor das imagens que exprimem, além da natureza, algo de muito profundo em Humberto Mauro, um elemento muito preciso de sua personalidade que só bem mais tarde será dado conhecer melhor.” [...]

“A única coisa imperdoável de O Thesouro Perdido é o enredo.[...] O tesouro de O Thesouro Perdido parece imposto de fora com a intenção de dar importância e dramaticidade ao dia-a-dia trivial de uma humanidade comum, O conflito é importado de longe como se no ambiente bucólico para onde é transplantado não houvesse condições para a eclosão de qualquer luta: não é por acaso que em O Thesouro Perdido o tesouro acaba por ser rejeitado em benefício da permanência de valores extremamente convencionais mas artisticamente coerentes.” (EMILIO, P. Humberto Mauro, p.145 e p. 160, Cataguases, Cinearte. São Paulo, Perscpectiva, 1974)

Oharu – A Vida de uma Cortesã (Japão – 1952). Dir. Kenji Mizoguchi

Duração: 148 min. 16mm

Sinopse: Conta a história de Oharu, uma mulher que na sua juventude fazia parte da corte do Imperador, porém, por envolver-se com um homem de condições inferiores, sua vida muda, terminando como pedinte e cortesã.

“Só conheço bem um filme de Kenji mizoguchi, A Vida de O’Haru, mulher galante, e apesar de não o rever há cinco anos, não empalideceu a lembrança de seu esplendor plástico em branco e preto. Teoricamente é uma obra que teria muito contra si. Seu roteiro é constituído por uma meia dúzia de episódios bastante autônomos, tirados de um autor do século XVII, Ihara Saikaku. Além desse desafio à unidade, a história concentra na personagem principal, a mulher galante, um excesso de desgraças com intensidade excessiva e gosto duvidoso. Mas todos os defeitos potenciais de construção ou concepção são eclipsados pela qualidade intrínseca das imagens, por sua beleza de todos os instantes. A técnica de Mizoguchi consiste em conservar a câmera fixa por bastante tempo e fazer tomadas as mais longas possíveis, afim de dar o máximo de oportunidade aos meios de percepção do espectador. ‘Um filme’, declarou Mizoguchi, ‘deve ser outra coisa além da simples expressão psicológica’. Em última análise ele procura dar ao cinema os famosos ‘valores tácteis’, que Berenson considera a maior virtude da pintura.” (EMILIO, P. Crítica de Cinema no Suplemento Literário, pp.180-81, Rio de Janeiro, Paz e Terra/ Embrafilme, 1982. 2vols.)

O Portal do Inferno. (Japão – 1953). Dir. S. Kinogasa

Duração: 89 min. 16mm

Sinopse: Na era Heian (794-1185), em meio à disputa entre inimigos do imperador e seus defensores, um samurai insiste em conquistar uma mulher casada.

“Ele [Kinugasa] não acredita na sincronização do som e da imagem. Essa deveria ser tratada como no cinema mudo, sendo função do som inculcar-lhe poesia e sentimento. O ideal de Kinugasa é realizar um dia um filme que seria a história de um homem vivendo à beira de um rio, cuja vida seria contada unicamente pelos temas dos sons. Essa idéia situa bem as preferências estéticas do realizador. Um filme deve ser uma variação de detalhes da natureza, de luzes, de sons, uma espécie de fuga de sensações em torno de um tema que em si mesmo não teria maior importância. Se Kinugasa nunca pode alcançar plenamente esses objetivos, por motivos comerciais evidentes, ele procura sempre deles aproximar-se. O rigoroso classicismo de A Porta do Inferno, que provocou tanta admiração no Ocidente e desconcertou o público japonês, foi até hoje a expressão máxima de fidelidade de Kinugasa a seus princípios estéticos.” (EMILIO, P. Crítica de Cinema no Suplemento Literário, v.1, p. 182, Rio de Janeiro, Paz e Terra/ Embrafilme, 1982. 2vols.)

Noites de Cabíria (Itália – 1967) Dir. Federico Fellini

Duração: 110 min. 35mm

Sinopse: Esta obra de Fellini conta a história de Cabíria, uma prostituta de Roma que sonha em se casar e deixar a vida que leva, mas é obrigada a viver na marginalidade.

“Basicamente, o método do Fellini maduro e criador não é diferente do seu comportamento durante a irresponsável vagabundagem da juventude em Rimini. Num caso como no outro, ele solicita confusamente ao acaso esses momentos de aderência entre a fantasia e o concreto que são o ponto de partida de sua elaboração artística, isto é, de seu esforço pungente em dar forma e comunicação ao mundo dos valores espirituais e paramísticos que agitam o seu espírito.”

“Na realidade, a graça consiste na descoberta dentro de si próprio daquilo que permaneceu inato no meio das erosões provocadas pelo ato de viver e nada indica que as cerimônias religiosas sejam particularmente favoráveis à sua eclosão. Cabíria é fundamentalmente pura e não é numa romaria religiosa que a graça se manifesta mas no palco de um teatro de última classe, sob a ação de um mágico, diabo envelhecido e decadente. Essa seqüência é talvez a mais extraordinária de toda a obra felliniana.” (EMILIO, P. Crítica de Cinema no Suplemento Literário, v.1, p.436 e p.441, Rio de Janeiro, Paz e Terra/ Embrafilme, 1982. 2vols.)

De Crápula a Herói (Itália - 1959) Dir. Roberto Rossellini

Duração: 126min. DVD

Sinopse: Durante a Segunda Guerra, um general impostor aproveita-se de seus compatriotas prometendo-lhes interceder a favor de seus familiares capturados por alemães. Quando sua farsa é descoberta o general é preso, porém, para se livrar da pena, aceita colaborar com a Gestapo.

“Il generale della Rovere [De crápula a Heró] persegue deliberadamente um triunfo de bilheteria. Mas nada disso impede que à luz das preocupações mais íntimas de Rossellini a sua última fita exprima o prolongamento harmonioso de uma meditação presente em toda sua obra. Minhas referências apóiam-se naturalmente nos filmes que conheço melhor, Paisà, Fracesco, L’amore e Europa 51, e em todos eles palpita a busca ansiosa de uma verdade de vida, de uma autenticidade moral. Em Il generale della Rovere a natureza da reflexão continua a mesma, porém desta vez através de algumas minuciosas descrições do funcionamento da mentira.”

“A mentira tem má reputação, mas é uma grande desconhecida. Um dos méritos de Il generale della Rovere é propor tarefas nesse terreno para as imaginações críticas. Crápula ou herói, a base do comportamento do principal personagem da fita é sempre a mentira. A prática do bem e do mal tem em comum um suporte de ficção.” [...]

“Acredito que uma reflexão metódica com ponto de partida em ilustrações fornecidas pelo filme poderia conduzir a uma avaliação mais justa do papel da mentira na constituição de uma realidade civilizada. São tantas as ocasiões em que a única forma de comunicação entre os seres é o exercício da mentira, seu papel como estofo, cimento e válvula é tão eminente que se torna impossível imaginar o mundo sem sua presença harmonizadora. Não há conflitos entre a mentira e a verdade. Elas são complementares e nada se acorda tão bem com a serena mentira como doses mitigadas de seu contrário.” (EMILIO, P. Crítica de Cinema no Suplemento Literário, v.2, pp.241-42, Rio de Janeiro, Paz e Terra/ Embrafilme, 1982. 2vols.)

P. E. Salles Gomes (Brasil - 1979) Dir. David E. Neves

Duração: 35 min. 16mm

Feito para a televisão educativa, este documentário apresenta trechos de filmes nacionais e estrangeiros e os ilustra com comentários do crítico Paulo Emílio. Contém ainda depoimentos de Décio de Almeida Prado, Antonio Candido, Jean-Claude Bernadet e outros.

O Grande Ditador (Estados Unidos - 1940) Dir. Charles Chaplin

Duração: 124 min. 35mm

Sinopse: Primeiro filme falado de Chaplin, nele Carlitos vive dois personagens: o ditador Adenoid Hynkel (numa referência óbvia a Hitler) e um barbeiro judeu, que acidentalmente é confundido com o chefe de Estado.

“A personagem de Chaplin na tela sofreu variações profundas com o decorrer do tempo. Os freqüentadores de retrospectivas se surpreendem, às vezes, em conhecer um Carlitos violento, mau e vulgar. [...] Ele afirma e impõe seus desejos e caprichos. Apesar das aparências, o Carlitos do futuro guardará muito desses traços, particularmente uma constante rebeldia potencial contra as convenções e pressões do mundo exterior. No Carlitos clássico, a vontade de poder se dilui numa aparente submissão e a crueldade se esconde atrás de uma covardia calculada. [...] Mas a crítica, André Bazin em primeiro lugar, reconhece facilmente a presença dos dois Carlitos, dissociados, em O Grande Ditador. E os empreendimentos macabros de Verdoux evocam, apesar da impecável elegância, a distante fúria do Carlitos dos primeiros tempos.” (EMILIO, P. Crítica de Cinema no Suplemento Literário, v.1, p.212, Rio de Janeiro, Paz e Terra/ Embrafilme, 1982. 2vols.)

A Regra do Jogo (França – 1939) Dir. Jean Renoir

Duração: 110 min. DVD

Sinopse: Um influente parisiense promove uma festa em sua casa de campo. Alheia aos problemas do mundo, a rotina da burguesia francesa será mudada de repente.

“La régle du jeu [A Regra do Jogo], a última fita francesa [de Renoir] antes da partida para os Estados Unidos, fora distribuída algumas semanas antes do início da guerra, diante da mais total incompreensão da crítica e do público, no qual se incluía o autor deste artigo. Durante os anos da guerra conservei na memória apenas a seqüência, aliás extraordinária, de uma caçada. Faço essa confissão com certa vergonha, pois hoje La régle du jeu é para mim (e para muitos) não só a obra-prima de Renoir, mas o melhor filme francês e um dos melhores do mundo.”

“Com efeito, os primeiro críticos da fita, levados pelas idéias convencionais que haviam estabelecido em relação a Renoir, limitaram-se a ver em La régle du jeu uma sátira ao comportamento humano da classe dirigente francesa. Não há dúvida de que a regra do jogo é a mentira, é a hipocrisia necessária para o equilíbrio das relações entre membros de uma burguesia aristocratizada e alienada pelo lazer, e que a não observância da regra conduz a catástrofes. Mas esse é um lado do díptico, a metade da fita. Na outra, desenvolvida paralelamente e de igual importância, os personagens são os empregados cujo estatuto popular não impede que fiquem presos, tanto quanto os patrões, ao mecanismo impiedoso e desumanizador da regra. Os ecos sociais da fita são amortecidos por um pessimismo global e profundo em relação à natureza humana. Diferentemente, porém, de Stroheim, um dos seus mestres, Renoir tem simpatia por todos os personagens, suas falhas, hipocrisias e ridículos. [...] Renoir acumplicia-se com as razões de cada um, não julga individualmente ninguém, mas é ao mesmo tempo implacável com todos.” (EMILIO, P. Crítica de Cinema no Suplemento Literário, v.1, p.332 e p.335, Rio de Janeiro, Paz e Terra/ Embrafilme, 1982. 2vols.)

A Linha Geral (União Soviética – 1928) Dir. Sergei M. Eisenstein

Duração: 96 min. DVD

Sinopse: Com o aparecimento da camponesa Marta, destacando-se na liderança sobre a massa, o filme dá uma reviravolta, embora o filme gire em torno da coletivização de uma aldeia de camponeses.

“A intenção consciente de Eisenstein era fazer ateísmo, porém o gosto pelas formas, o ritmo singular, com algo de dignidade e do esplendor de um cerimonial religioso, obtido pela montagem, e provavelmente sua fascinação latente pelo fenômeno do misticismo, dão à cena uma amplidão e uma ressonância que escapam certamente aos objetivos originalmente procurados. Acaba-se com a impressão curiosa de que, excetuando o padre, que é tratado de maneira irônica, todos – autor e personagens – comungam no êxtase.”

“A cena mais célebre do filme, a estréia da desnatadeira de leite, tem também alguma coisa de religiosa e ao mesmo tempo de erótica. Na União Soviética encorajava-se a dignificação artística dos objetos prosaicos portadores de progresso, mas Eisenstein foi além, tentando de certa forma dar uma aura sacra à batedeira mecânica de leite. Ele escreveria mais tarde: ‘Não é o Santo Graal que inspira a dúvida e o êxtase, mas uma desnatadeira.’” (EMILIO, P. Crítica de Cinema no Suplemento Literário, v.1, p.225 e p.256, Rio de Janeiro, Paz e Terra/ Embrafilme, 1982. 2vols.)

Nascimento de Uma Nação. (Estados Unidos - 1915) Dir. D. W. Griffith

Duração: 187 min. DVD

Sinopse: Durante a Guerra Civil americana, o filme conta a saga de duas famílias, uma do norte e uma do sul. Obra considerada polêmica por seu conteúdo racista, já que coloca a Klu Klux Klan como importante no papel de insurreição do “estilo de vida” do sul após perder a guerra.

“Se considerarmos o cinema simultaneamente em seus diversos aspectos, como linguagem, arte, indústria e expressão social, Griffith é incontestavelmente a mais poderosa personalidade de toda a sua história. Ele foi o principal artesão das normas básicas do novo meio de expressão e o primeiro a utilizá-las com fluência e de forma coerente; entre seus filmes [...]; foi Nascimento de Uma Nação que despertou o interesse da alta finança pela nova indústria e a tomada de consciência pelas elites políticas e religiosas da América do poder do cinema em suscitar emoções e modelar a opinião.”

“Penso que a situação é clara. Como algumas de suas declarações o demonstram, Griffith reconhecia o valor artístico do filme, mas para ele pessoalmente o cinema era como uma das invenções miraculosas com que sonhara na juventude, capazes de enriquecer rapidamente um homem e dar-lhe em seguida tranqüilidade para realizar seu destino artístico.”

“Griffith só compreendeu seu destino quando este estava fundamentalmente realizado, isto é, por ocasião do lançamento de Nascimento de Uma Nação. Em última análise, a obra teve para o seu autor um papel semelhante ao que exerceu frente aos contemporâneos: revelar a grandeza do cinema.” (EMILIO, P. Crítica de Cinema no Suplemento Literário, v.1, p.361 e p. 365, Rio de Janeiro, Paz e Terra/ Embrafilme, 1982. 2vols.)

Basic Jazz

2007-09-03T06:34:00.000-07:00

Mais um programa especial. Depois de um longo período de ausência, resolvi fazer um set só de pedradas jazzísticas com grandes clássicos da música norte-americana. Ressaltando que não houve uma intenção em delimitar estilos, seguir o desenvolvimento cronologicamente de forma linear, a única preocupação foi selecionar grandes instrumentistas e orquestras em seus períodos mais profícuos, mais nada.

Assim, começo com a mais pesada de todas as Big Bands, Count Basie e seus companheiros de várias noitadas em Kansas City, vale lembrar que uma das maiores lendas do jazz, Lester Young foi o sax tenor de Basie, refererência absoluta de dez entre dez saxofonistas de jazz, de Charlie Parker à Sonny Rollins e Coltrane, vale à pena notar o vigor dos seus solos arrasadores e sempre bem acompanhados por Basie. Para quem quiser se aprofundar mais, indico o filme de Robert Altman, Kansas City, onde vocês poderão acompanhar as noites conturbadas e quentes da cidade em questão, a trilha sonora do filme fica por conta de Count Basie Orchestra ( interpretada por excelentes músicos )que toca às noites todas no club subterrãneo da cidade. O filme trás ainda um duelo insano entre Lester Young e Coleman Hawkins, - a outra grande referência dos saxofonistas de jazz -, confronto este assistido por ninguém menos que um menino, cujo sobrenome é Parker e que logo viria a ser um dos maiores jazzman do século. A faixa que aqui apresento de Basie é Every Tub do álbum Basie Boogie.

Outro grande nome do Jazz, Duke Ellington, vem na seqüência, com grande sensibilidade e peso, Boo Dah é um estrondo suave e noturno que com solos metálicos compõem uma obra prima verdadeiramente moderna e norte-americana.

J. J. Johnson é representado aqui com a faixa Neo, com seu potente trombone é acompanhado por Harold Mabern no piano, Arthur Harper no baixo e Frank Gant na bateria. Neo é uma inegável evidência (Proof Positive) de que o jazz, a despeito das críticas acadêmicas, consolidou-se como um estilo autêntico e legítimo da música contemporânea.

Em seguida, uma faixa de um dos discos que considero um dos dez mais importantes da história do Jazz, a faixa é Dear Old Stokholm, o álbum é Round About Midnight e os interpretes; John Coltrane – sax tenor, Red Garland – piano, Paul Chambers – baixo e Philly Joe Jones na bateria, são liderados pelo mais sensível trompetista e bandleader da história do jazz , Miles Davis.

Já que Coltrane aparece na faixa anterior, nada melhor do que uma composição em que este aparece liderando seu próprio quarteto, em uma das suas fase mais profícuas e originais, Coltrane compõe Song of the Underground Railroad. Aqui a música é executada por Coltrane no sax tenor, McCoy Tyner no piano, Reggie Workman no baixo, Elvin Jones na bateria, e uma curiosidade todas as faixas deste álbum, The Complete Afrika/Brass Sessions, são conduzidas por Eric Dolphin.

Continuando nossa agradável viagem por esta estrada férrea e sinuosa jornada nos deparamos com outro mestre, Charles Mingus e uma pedrada atordoante, Boogie Stop Shuffle, com o peso e a exuberância única de Mingus que avança com ritmos inusitados. Infelizmente, não posso colocar o trabalho todo, mas fica aqui indicado outro disco fundamental do Jazz, Mingus Ah Hum, sua audição é obrigatória.

Agora quem se apresenta por meu intermédio é Sonny Rollins, um dos grandes saxofonistas dos 50-60. Um artista inquieto sempre recriando-se a si mesmo sem se diluir em suas recriações. Solos objetivos e swingados, espirituais e extrovertidos que apresentam um músico conseguindo equilibrar os mais antagônicos paradoxos. Acompanhado por músicos do porte de Max Roach na bateria, Tommy Flanagan no piano e Doug Watkins no baixo compreendemos que a música é uma linguagem capaz de estabelecer a comunicação e a sintonia entre almas de uma modo que possivelmente nenhuma outra linguagem pode fazer.

Finalizando, um dos nomes mais injustiçados da história do jazz, pouco reconhecido, morto jovem, talento precoce. Lee Morgan é um nome que rivalizaria com o próprio Miles davis, se este é agraciado com uma sensibilidade única, Lee Morgan é detentor de uma precisão inigualável. O brilho dos solos de trompete inconfundível foi apagado em 19 de fevereiro de 72, morto pela amante com um tiro no coração, morreu sobre o palco, sendo seu último sopro uma nota expelida pelo trompete. Aos 33 anos deixou um fértil legado que aos poucos estou conhecendo. Acompanhado por nomes como Wayne Shorter, sax tenor, Grant Green na guitarra e Herbie Hancock no piano criaram o álbum Search for the New Land, outra pérola recomendada a todos.

Bem, fico por aqui e espero que gostem da novidade, ficaria mais feliz ainda se deixassem suas opiniões e sugestões sobre um podcast, agradeço a visitae as sugestões.

Falou.

1. Count Basie – Every Tub
2. Duke Ellington - Boo Dah
3. J. J. Johnson – Neo (Proof Positive -
4. Miles Davis Quintet – Dear Old Sotckholm
5. John Coltrane Quartet – Song of the Underground Railroad
6. Charles Mingus – Boogie Stop Shuffle
7. Sonny Rollins – Strode Rode
8. Lee Morgan – Mr Kenyatta

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Baixio das Bestas – Cláudio Assis

2007-08-28T08:47:00.000-07:00

O esgoto como consciência.

O naturalismo dos filmes de Cláudio Assis tem em seu distanciamento conseqüências das mais inócuas. Para mim, as únicas apreensões possíveis sobre seu filme, o Baixio das Bestas, não podem ser positivas, e se ele se pretende realista ou naturalista, o resultado foge da realidade “do mundo” perdendo-se no “seu próprio mundo” imundo e grotesco.

Um desfilar de personagens inumanas e sem liberdade alguma, condicionados pelo calor e pela pobreza, esta não só material, mas também espiritual – e consequentemente moral. Neste mundo Auxiliadora é um mero instrumento que se efetiva - e se aliena - não só na relação com seu avô e com os marginais que se reúnem em um cinema falido, mas inclusive com o próprio diretor que a utiliza como uma mera ferramenta para “auxiliar” na exposição de seu mundo, uma existência absurda e impossível que não se sustenta ao final - o próprio diretor não a mata para não perder seu “auxílio”. Ele a utiliza de forma abusada, seja para chocar com a nudez ingênua e sensual, seja para fazer um filme, por incrível que pareça, politicamente correto de “denúncia social”. Seus meios são chocantes e fortes, suas intenções são simplórias. Me parece que muitas feministas defendem o filme afirmando que este “retrata a realidade da mulher brasileira”. Creio que nem mesmo Cláudio Assis quis expressar isto.

O cinema, não pode ser a vida, está restrito em seus próprios termos a fazer recortes. Poucos cineastas conseguem apreender o mundo e a partir da vida realizar obras de arte universais, a estes, só podemos nos referir como gênios, o que não é o caso - e creio que Cláudio Assis nem almeja em sê-lo.

Deste modo, generalizar o sentido deste filme com a situação da mulher no país seria um exagero, ter a consciência de que pessoas são escravizadas com violência até maior do que a apresentada no filme é fundamental para que possa haver justiça, generalizar a questão seria ideologizar o problema e torna-lo uma mera ferramenta para “auxiliar” as disputas desta natureza. Neste caso, Auxiliadora seria triplamente explorada; sexualmente, esteticamente e politicamente.

Consequentemente, creio que o filme não consegue levar à tomada de consciência do problema, a própria estrutura naturalista e determinista do filme impossibilita qualquer ação efetiva – os plongées colocam os personagens ora como que em um microscópio, ora como em labirintos de cobaias. Não há propostas, nem ao menos estéticas, a beleza da fotografia é gratuita, assim como sua violência. Não há intenções, não há soluções, Auxiliadora esta “destinada” à prostituição como sua mãe o fora – creio que mãe de Auxiliadora seja a prostituta morta pelos “marginais do cinema”. Não há redenção alguma. E neste aspecto Cláudio Assis chega a ser extremamente corajoso, porém, reconhecer isto não é compartilhar de suas opiniões e concepções.

Quanto à interpretação do filme como um “filme-denúncia” tenho a impressão de que ele falha, justamente por esconder a tão almejada realidade. Ele caricatura o mundo dividindo-o simplesmente entre o bem e o mal – onde o mal reina soberano, inclusive. Seus personagens não possuem vida espiritual, são maus, com algumas exceções também caricaturais, não existe outra possibilidade. Em minha opinião, e nesta compartilho das concepções de Dostoievski, ninguém é tão mal que não possa ser capaz de cometer um ato de amor e de compaixão, ninguém é tão bom que não possa compactuar, inconscientemente, com as mais nefastas ações. Não há verdade neste filme.

Deste modo, se há uma falha terrível nos processos socializantes, capazes de dar lugar aos mais abomináveis monstros e aos mais apáticos santos, há falhas também na concepção do filme em conceber personagens caricaturais tão hediondos e sem vida. Estes seres não são humanos, não comportam a ambigüidade subjacente a qualquer ser moral. Assim, o filme é apenas uma máquina de causar sensações nauseantes destinadas a satisfazer um público masoquista e que sai do cinema chocado por saber que estas coisas acontecem.

Por fim, um aspecto interessante do filme é a gangue de marginais de classe média que se encontram no cinema falido e abandonado. É interessante notar que a leva de produções pernambucanas contemporâneas tem-se prestado a pensar o cinema, sobretudo o cinema brasileiro. No caso de Baixio das Bestas, a frase do líder da gangue sobre o cinema é muito clara....”o bom do cinema é que a gente pode fazer o que quiser”, ou seja, seres que se julgam acima da moral e prostituem o cinema utilizando-o como meio para seus objetivos. Porém, a pergunta que ficou em minha cabeça é se este plot é um modo inconsciente do próprio Cláudio Assis apresentar suas desculpas e justificar as suas verdades.

RETROSPECTIVA DO CINEMA PERNAMBUCANO

2007-08-04T13:00:00.000-07:00

Sei que vocês não vão querer perder esta...

CINUSP “Paulo Emílio” apresenta

06 a 24 de agosto de 2007

RETROSPECTIVA DO CINEMA PERNAMBUCANO

1993-2007

Apresentação

A presente retrospectiva foi motivada por um artigo de Luciana Veras sobre a atual produção do cinema pernambucano, publicado em junho de 2006 na Revista de Cinema. O artigo ressalta o vigor dessa produção, que culminava no momento em que, pela primeira vez, dois longas-metragens eram produzidos simultaneamente: Baixio das Bestas de Cláudio Assis, e Deserto Feliz de Paulo Caldas. E ainda fazia um rico panorama dos diversos diretores e curtas-metragens produzidos nas últimas duas décadas no estado.

O cinema pernambucano surgiu durante o cinema mudo, na década de 1920, quando se tornou um importante pólo produtor de filmes, período que ficou conhecido como Ciclo do Recife. Pertencem a esse ciclo alguns clássicos da cinematografia brasileira, como Aitaré da Praia e A Filha do Advogado, nos quais destacou-se o nome de Ari Severo, que foi ator e diretor de muitos dos filmes. No entanto, esse ciclo de produção foi encerrado com o advento do cinema sonoro, e durante anos, o cinema pernambucano esteve no ostracismo.

O atual momento vivido pelo cinema de Pernambuco, ao qual essa retrospectiva se dedica, teve início nos primeiros anos da década de 80. Foi quando alunos do curso de comunicação da Universidade Federal de Pernambuco (UFPE) começaram a realizar curtas em Super-8, numa época em que Recife era carente de recursos cinematográficos profissionais, e estava totalmente marginalizada do eixo Rio-São Paulo de produção.

Foi por volta destes tempos que a professora do Depto. de Cinema, Rádio e TV da ECA-USP, Vânia Debs – apontada por Lírio Ferreira como uma das “responsáveis” pelo cinema pernambucano – foi convidada para dar um workshop de montagem em Recife. Ali, ela conheceu a futura geração de cineastas locais e montou em seguida os primeiros curtas em bitolas 16 e 35mm de Paulo Caldas. Em seguida, ela trabalhou nos curtas de Lírio Ferreira, Cláudio Assis e Marcelo Gomes, passando a ser uma das principais montadoras do cinema pernambucano, montando posteriormente os longas de ficção de Paulo e Lírio.

Paralelamente, já nos anos 90, Recife viveu uma espécie de boom cultural, do qual fazia parte essa geração de cinema, mas em especial na cena musical, que viu surgir o movimento do manguebeat nos instrumentos e vozes de Chico Science, Nação Zumbi, Mundo Livre S/A e Fred 04. Foi quando finalmente estourou o primeiro longa pernambucano desse ciclo, Baile Perfumado, dirigido por Paulo Caldas e Lírio Ferreira. O filme, sobre o mascate Abraão que registrou em cinema as únicas imagens em movimento de Lampião e Maria Bonita, teve sua trilha musical composta por Science, sintetizando passado histórico com o então presente cultural. A obra tomou de assalto o Festival de Brasília de 1997, de onde saiu como principal vencedor, impressionando o público e o júri com seu vigor

Depois de Baile Perfumado, outros cinco longas produzidos em Pernambuco foram lançados até hoje, e todos alcançaram grande sucesso em festivais, junto ao público e à crítica. Amarelo Manga, de Cláudio Assis e Cinema, Aspirinas e Urubus, de Marcelo Gomes são os filmes que acumularam o maior público nos cinemas brasileiros e ainda foram premiados em festivais no Brasil e no exterior.

Entretanto, entendemos que para fazer uma retrospectiva completa do cinema pernambucano contemporâneo é essencial que, além dos longas, também sejam exibidos uma parcela dos curtas mais significativos produzidos no mesmo período, para dar um panorama da base de formação desse cinema e desses cineastas. E ainda expandir essa percepção, exibindo curtas dirigidos por outros importantes colaboradores, como Adelina Pontual, e Hilton Lacerda, este roteirista de quatro dos cinco longas de ficção aqui exibidos. Além de uma amostra dos que há de mais recente na produção do estado, que revelaram nomes de uma nova geração, como Eric Laurence, Kleber Mendonça Filho e Cláudio Cavalcante, que em breve irá dirigir seu primeiro longa.

A possibilidade de assistir a esses filmes em conjunto pode ser muito enriquecedora, pois, apesar da pluralidade de gêneros, estilos e temáticas, parecem existir qualidades comuns a todos eles. A que mais chama a atenção, sem dúvida, é a vontade de formação de uma cinematografia própria, de seu estado e país, em que o resgate cultural, histórico e às tradições populares são buscados como elementos de construção de uma identidade.

É possível ainda que se revelem semelhanças temáticas e estéticas. Em o Baixio das Bestas as imagens do maracatu rural lembram as vistas no curta de Marcelo Gomes Maracatu, Maracatus e a abordagem realista da violência contra a mulher se coloca próxima à alegoria criada sobre o mesmo tema no premiado curta, Entre Paredes, de Eric Laurence. Percebemos ainda nos filmes a recorrência da cine-biografia, e o retrato do sertão, do agreste e da zona da mata, em contraste com a realidade excludente da metrópole recifense.

Esperamos assim oferecer ao público do CINUSP “Paulo Emílio” uma mostra relevante e diversificada, estimulando a difusão e a percepção da relevância do curta-metragem como bem cultural e de expressão, e do cinema como uma arte popular.

Victor A. Biagioni

LONGAS:

Baile Perfumado, Lírio Ferreira e Paulo Caldas (1997)

Rap do Pequeno Príncipe Contra as Almas Sebosas, Paulo Caldas e Marcelo Luna (2000)

Amarelo Manga, Cláudio Assis (2003)

Cinemas, Aspirinas e Urubus, Marcelo Gomes (2005)

Árido Movie, Lírio Ferreira (2006)

Baixio das Bestas, Cláudio Assis (2007)

SESSÃO DE CURTAS I:

That’s a Lero-Lero, Lírio Ferreira e Amin Stepple (1994)

Soneto do Desmantelo Blue, Claudio Assis (1993)

Maracatu, Maracatus, Marcelo Gomes (1995)

Texas Hotel, Cláudio Assis (1997)

Conceição, Heitor Dhalia (1999)

Êxito de Rua, Cecília Araújo (2004)

SESSÃO DE CURTAS II:

Clandestina Felicidade, Beto Normal e Marcelo Gomes (1998)

Simião Martiniano – O Camelô do Cinema, Hilton Lacerda e Clara Angélica (1998)

O Pedido, Adelina Pontual (1999)

O Mundo é uma Cabeça, Bidu Queiróz e Cláudio Barroso (2005)

Rapsódia para um Homem Comum, Camilo Cavalcante (2005)

SESSÃO DE CURTAS III:

O Homem da Mata, Antonio Luiz Carrilho (2005)

A História da Eternidade, Camilo Cavalcanti (2001)

Entre Paredes, Eric Laurence (2005)

Vinil Verde, Kleber Mendonça Filho (2004)

Eletrodomésticas, Kleber Mendonça Filho(2005)

PROGRAMAÇÃO:

1ª Semana

16h

19h

06/08 07/08 08/08 09/08 10/08

Amarelo Manga	Baile Perfumado	Baile Perfumado	Amarelo Manga	Sessão de Curtas I
Baile Perfumado	Amarelo Manga	Sessão de Curtas I	Baile Perfumado	Amarelo Manga

2ª Semana

16h

19h

13/08 14/08 15/08 16/08 17/08

Cinema, Aspirinas e Urubus	Rap do Pequeno Príncipe contra as almas sebosas	Rap do Pequeno Príncipe contra as almas sebosas	Cinema, Aspirinas e Urubus	Sessão de Curtas II
Rap do Pequeno Príncipe contra as almas sebosas	Cinema, Aspirinas e Urubus	Sessão de Curtas II	Rap do Pequeno Príncipe contra as almas sebosas	Cinema, Aspirinas e Urubus

3ª Semana

20/08 21/08 22/08 23/08 24/08

16h

19h

Baixio das Bestas

Árido Movie

Baixio das Bestas

Sessão de Curtas III

Árido Movie

Baixio das Bestas

Sessão de Curtas III

Árido Movie

Baixio das Bestas

SINOPSES – LONGAS

AMARELO MANGA

Brasil, 2002, 35mm, 100 min

Direção: Cláudio Assis

Elenco: Matheus Nacthergaele, Jonas Torres, Dira Paes, Chico Diaz e Leona Cavalli.

Sinopse

Guiados pela paixão, os personagens desse filme vão penetrando num universo feito de armadilhas e vinganças, de desejos irrealizáveis, da busca incessante da felicidade. O universo aqui é da vida-satélite e dos tipos que giram em torno de órbitas próprias, colorindo a vida de um amarelo hepático e pulsante. Não o amarelo do ouro, dos brilhos e das riquezas, mas o amarelo do embaçamento do dia-a-dia, e do envelhecimento das coisas postas. Uma amarelo-manga, farto.

* Melhor Filme – 35º Festival de Brasília

ÁRIDO MOVIE

Brasil, 2006, 35mm, 115 min

Direção: Lírio Ferreira

Elenco: Guilherme Weber, Giulia Gam, Selton Mello, Gustavo Falcão, Mariana Lima, Matheus Nacthergaele, José Dumont, Renata Sorrah e Paulo César Pereio

Sinopse

Jonas é o repórter do tempo de uma grande rede de TV, que mora em São Paulo mas está rumo à sua cidade-natal, localizada no interior do nordeste. O motivo é a morte de seu pai, com quem teve pouquíssimo contato e que foi assassinado inesperadamente. Jonas enfrenta problemas para chegar à cidade, até que recebe carona de Soledad, uma videomaker que está fazendo um documentário sobre a água no sertão. Ao chegar ele encontra uma parte da família a qual não conhecia até então, que lhe cobra que se vingue da morte do pai.

* Melhor Filme – Cine PE Festival de Recife

BAILE PERFUMADO

Brasil, 1997, 35mm, 93 min

Direção: Paulo Caldas e Lírio Ferreira

Elenco: Duda Mamberti, Luiz Carlos Vasconcelos, Aramis Trindade, Chico Diaz, Jofre Soares, Cláudio Mamberti e Giovana Gold.

Sinopse
Amigo íntimo do Padre Cícero, o mascate libanês Benjamin Abrahão decide filmar Lampião e todo seu bando, pois acredita que este filme o deixará muito rico. Após alguns contatos iniciais ele conversa diretamente com o famoso cangaceiro e expõe sua idéia, mas os sonhos do mascate são prejudicados pela ditadura do Estado Novo.

* Melhor Filme – 30º Festival de Brasília

BAIXIO DAS BESTAS

Brasil, 2006, 35mm, 80 min

Direção: Cláudio Assis

Elenco: Mariah Teixeira, Fernando Teixeira, Caio Blat, Matheus Nachtergaele, Dira Paes, Marcélia Cartaxo e Hermila Guedes.

Baixio das Bestas é o lugar símbolo das confluências humanas. Uma tosca idéia de possibilidades. Um pobre conceito de riqueza. Nesse cenário se passa a história de Auxiliadora, uma menina de 13 anos explorada pelo velho avô, seu Heitor, um moralista ambíguo, que em tudo vê falta de autoridade, mas ganha dinheiro explorando sua neta. Por sua vez, Cícero, um jovem de uma conhecida família local, assiste ao drama de Auxiliadora e cria por ela uma paixão insustentável. Do enfrentamento de seu Heitor e Cícero será decidido o destino de Auxiliadora.

* Melhor Filme – 39º Festival de Brasília

CINEMA, ASPIRINAS E URUBUS

Brasil, 2005, 35mm, 99 min

Direção: Marcelo Gomes

Com: Peter Ketnath, João Miguel e Hermila Guedes

Sinopse

Em 1942, no meio do sertão nordestino, dois homens vindos de mundos diferentes se encontram. Um deles é Johann, alemão fugido da 2ª Guerra Mundial, que dirige um caminhão e vende aspirinas pelo interior do país. O outro é Ranulpho, um homem simples que sempre viveu no sertão e que, após ganhar uma carona de Johann, passa a trabalhar para ele como ajudante. Viajando de povoado em povoado, a dupla exibe filmes promocionais sobre o remédio "milagroso" para pessoas que jamais tiveram a oportunidade de ir ao cinema. Aos poucos surge entre eles uma forte amizade.

* Seleção Oficial Un Certain Regard – Festival de Cannes

RAP DO PEQUENO PRÍNCIPE CONTRA AS ALMAS SEBOSAS

Brasil, 2000, 35mm, 75 min

Direção: Paulo Caldas e Marcelo Luna

Documentário

Sinopse

Dois jovens, um justiceiro e um músico, vivem num universo de violência. Helinho, 21 anos, conhecido como "Pequeno Príncipe", é acusado de matar 65 bandidos no município de Camaragibe, periferia do Grande Recife. Garnizé, 26 anos, componente da banda de rap Faces do Subúrbio, militante político e líder comunitário em Camaragibe, usa a cultura para enfrentar a difícil sobrevivência na periferia. Os dois são os opostos e ao mesmo tempo iguais na condição de filhos de uma guerra social silenciosa, que é travada diariamente nos subúrbios das grandes cidades brasileiras. Cada um reage a sua maneira.

SESSÃO DE CURTAS I – 84 minutos

THAT’S A LERO LERO
Brasil, 1995,16mm, 16 min

Direção: Lírio Ferreira e Amin Stepple.

Elenco: Bruno Garcia e Aramis Trindade.

Sinopse: Em julho de 1942, o cineasta Orson Welles desembarca no Recife para filmar a cidade e fazer uma grande festa com os intelectuais locais.

SONETO DO DESMANTELO BLUE
Brasil, 1993, 35mm, 8 min

Direção: Cláudio Assis.

Elenco: Henrique Amaral, Maria Vasconcelos, Virgínia Cavendish.

Sinopse: Fragmentos da vida e obra do poeta pernambucano Carlos Pena Filho.

MARACATU, MARACATUS
Brasil, 1995, 35mm, 14 min

Direção: Marcelo Gomes.

Sinopse: As diferenças culturais entre as várias gerações de integrantes do Maracatu rural, ritual afro-indígena que tem suas origens nos engenhos de açúcar de Pernambuco.

TEXAS HOTEL

Brasil, 1999, 35mm,14 min

Direção: Cláudio Assis.

Elenco: Jaison Wallace.

Sinopse: O que acontece enquanto a vaca vai e vem.

CONCEIÇÃO

Brasil, 1999, 35mm, 17 min

Direção: Heitor Dhalia.

Co-Direção: Renato Ciasca.

Elenco: Aramis Trindade, Claudio Assis, Magdale Alves, Mônica Pantoja.

Sinopse: Duas prostitutas se apaixonam por vestidos de noiva numa vitrine e pedem que dois bandidos os roubem.

ÊXITO DE RUA

Brasil, 2004, 35mm, 15 min

Direção: Cecília Araújo.

Sinopse: Movimento, vida, cinema, revolução, música, hip-hop, grafitagem, break, MCs, DJs, VJs, conscientização política, transformação social, desobediência civil: Êxito D´ Rua.

SESSÃO DE CURTAS II – 85 minutos

CLANDESTINA FELICIDADE
Brasil, 1998, 35mm, 14 min
Direção: Beto Normal e Marcelo Gomes.

Sinopse: Fragmentos da infância da escritora Clarice Lispector, em Recife, 1929. Sua paixão pela leitura, seu olhar curioso e perplexo, a descoberta do mundo.

SIMIÃO MARTINIANO, O CAMELÔ DO CINEMA

Brasil, 1998, 35mm,14 min

Direção: Hilton Lacerda, Clara Angélica.

Sinopse: A história de Simião Martiniano, homem que divide seu tempo entre os ofícios de camelô e cineasta.

O PEDIDO

Brasil, 1999, 35mm, 15 min

Direção: Adelina Pontual.

Elenco: Geninha da Rosa Borges, Hermylla Guedes, Jones Melo, Alcir Lacerda.

Sinopse: Num velho casarão, uma velha senhora e sua jovem afilhada preparam-se para receber uma misteriosa visita que realizará um antigo desejo.

O MUNDO É UMA CABEÇA

Brasil, 2005, 35mm, 17 min

Direção: Bidu Queiroz, Cláudio Barroso.

Sinopse: O Manguebeat é um movimento que eclodiu no início dos anos 90 em Pernambuco. E o filme mostra essa história e a trajetória do seu principal protagonista: Chico Science.

RAPSÓDIA PARA UM HOMEM COMUM

Brasil, 2005, 35mm, 25 min

Direção: Camilo Cavalcante.

Elenco: Cláudio Jaborandi, Jones Melo, Magdale Alves.

Sinopse: Epaminondas é um funcionário público classe média baixa no início da década de 70. Um homem comum, pai de família, que tem o dia-a-dia cercado por compromissos burocráticos e já não agüenta mais a rotina banal a que está submetido.

SESSÃO DE CURTAS III – 77 minutos

O HOMEM DA MATA

Brasil, 2004, 16mm, 19 min

Direção: Antonio Luiz Carrilho.

Elenco: José Borba, Simião Martiniano, Jones Melo, Lourival Batista, Hermylla Guedes, Soraia, Nerisvaldo, Jonathans Nino, Gilvan, Trio Sabugo de Milho, Diogo Almeida.

Sinopse: José Borba da Silva, ator, canavieiro, cantor, pai-de-santo e artista da cultura popular, interpreta Jack, o vingador justiceiro, super-herói defensor dos trabalhadores da Zona da Mata Atlântica do Nordeste do Brasil.

A HISTÓRIA DA ETERNIDADE

Brasil, 2003, 35mm, 10 min

Direção: Camilo Cavalcante.

Elenco: Adriana Maciel, Charles Franklin, Cosme "Prezado" Soares, Geraldo Pinho, Iracema Almeida, João Ferreira, Júlio Verçosa, Marco Camaroti, Nerisvaldo Alves, Nina Militão, Roberta Alves, Seba Alves, Valdir Nunes, Vanessa Suedy.

Sinopse: A História da Eternidade é um falso plano-sequência que pretende conduzir o espectador a uma viagem dentro dos instintos humanos, através de uma linguagem poética e metafórica.

ENTRE PAREDES

Brasil, 2004, 35mm, 15 min

Direção: Eric Laurence

Elenco: Hermyla Guedes, Servílio de Hollanda.

Sinopse: Possessividade, desejo, paranóia e culpa são sentimentos obscuros numa relação amorosa, onde o medo da perda e a desconfiança podem destruir a vida ou levar à loucura.

O VINIL VERDE

Brasil, 2004, 35mm, 13 min

Direção: Kleber Mendonça Filho.

Elenco: Gabriela Souza, Ivan Soares, Verônica Alves.

Sinopse: Mãe dá a Filha uma caixa cheia de velhos disquinhos coloridos. A menina pode ouvi-los, exceto o vinil verde.

ELETRODOMÉSTICAS

Brasil, 2005, 35mm, 22 min

Direção: Kleber Mendonça Filho

Elenco: Gabriela Souza, Magdale Alves, Pedro Bandeira.

Sinopse: Classe média, anos 90, 220 Volts.

Universidade de São Paulo

Pró-Reitoria de Cultura e Extensão Universitária

CINUSP “Paulo Emílio”

Rua do Anfiteatro, 181 – Colméia – Favo 37(Adm.) Favo 4 (projeção)

São Paulo – SP 05508-900

www.usp.br/cinusp - cinusp@edu.usp.br

fone: 3091-3540/3152 – fone/fax: 3091-3364

Entrada Franca – 100 lugares

Som Dolby Stéreo

O cinema morreu, diz o cineasta Peter Greenaway

2007-07-10T10:58:00.000-07:00

MÁRCIO FERRARI,

editor de UOL Cinema

Raoni Maddalena/Divulgação
Peter Greenaway em São Paulo

* LeiaBLOG DO VIDEOBRASIL

Para o multiartista britânico Peter Greenaway, o cinema morreu -- e já faz algum tempo. Segundo ele, o que Hollywood faz hoje é produzir em série histórias previsíveis. O cinema realmente importante para o público deixou de existir. "Os fimes narrativos já não despertam interesse", diz Greenaway. "Na Holanda, onde eu moro, as pessoas vão em média ao cinema uma vez a cada dois anos."

Greenaway, ironicamente, está no Brasil para, entre outras coisas, viabilizar a produção de um filme que ele pretende rodar em São Paulo. Além disso, veio acertar detalhes da performance que vai comandar como VJ para o festival de arte eletrônica Videobrasil, em setembro. Será um desdobramento de um projeto que o mobiliza há mais de dez anos e para o qual ele realizou, entre 2002 e 2003, um filme de sete horas de duração. Tudo gira em torno de 92 malas cheias de vestígios de uma história que atravessa décadas. As malas teriam sido deixadas por um certo Tulse Luper, escritor desaparecido em 1989.

O personagem vem sendo tratado como um mistério, mas Greenaway não faz segredo sobre sua identidade. "Sou eu", diz ele. "Eu nasci em 1942, três anos antes da bomba de Hiroshima. Tenho mais ou menos a idade de John Lennon e Mick Jagger. Esse foi o início de uma época que terminou em 1989, com a queda do Muro de Berlim." Greenaway descreve esse período como uma fase de grande otimismo, principalmente em relação à tecnologia. É uma época que ele também chama de "era do urânio", em
referência ao papel-chave exercido ao longo desse tempo pela energia nuclear.

Greenaway localiza o início da morte do cinema um pouco antes do encerramento dessa fase: o lançamento, em 1983, do controle remoto sem fio que operava tanto a televisão quanto o videocassete. O zapping trouxe para os lares a possibilidade de interação e a passividade do cinema caiu em desgraça. "Não há mais por que juntar um monte de gente numa sala escura em que só há um lugar bom para ver o filme, a poltrona equidistante das caixas de som que permite ver a tela bem no centro", diz Greenaway, que vem operando com vídeo de alta definição há vários anos. "Já existe tecnologia para envolver o espectador em som e imagem por todos os lados e fazer dele um agente da ação."

O ambiente virtual e tridimensional do site Second Life é a prova de que o futuro já chegou e que as crianças e jovens de hoje em dia já vivem numa época pós-cinematográfica. Greenaway prentende explorar essas possibilidades em sua performance no Videobrasil, na qual vai mixar, editar e reeditar imagens de seus filmes da série Tulse Luper com música ao vivo, num "live act" que, ele espera, levará o público a dançar. Para isso ele usará equipamentos com touch screen, pelos quais é possível projetar e misturar imagens em grande escala com o toque dos dedos sobre uma tela de monitor.

Greenaway se tornou conhecido mundialmente pelos filmes que realizou em suporte e formato mais ou menos tradicionais entre as décadas de 80 e 90, como "O Cozinheiro, o Ladrão, Sua Mulher e o Amante" e "O Livro de Cabeceira". Esses títulos alimentaram no autor uma frustração com os limites do cinema que o levou às experimentações dos últimos anos.

Perguntado se o novo cinema "ao vivo" que ele persegue com tecnologia eletrônica se aproxima do teatro, ele diz que é a pintura sua fonte de inspiração. "Eu acredito que os pintores Caravaggio, Velásquez e Rembrandt foram os inventores do cinema, três séculos antes dos irmãos Lumière", diz Greenaway. "Está ali a dramaticidade e o jogo de luz e sombra que fizeram a grandeza do cinema narrativo nos anos 30 e 40. E é esse aspecto sensorial que o espectador absorve, muito mais do que a estrutura romanesca."

Rembrandt é o inspirador do próximo filme de Greenaway, cujo título é o mesmo da obra mais célebre do pintor holandês, "A Ronda Noturna". O cineasta quis levar para as imagens em movimento sua convivência intensa com o quadro, que está exposto do outro lado da rua onde ele mora em Amsterdã. "A Ronda Noturna" estréia no Festival de Veneza, no fim de agosto.

Sobre o filme que pretende realizar em São Paulo, ele adianta que tratará de erotismo ou pornografia e que escolheu o Brasil para filmá-lo porque se sente fascinado pelo que qualifica de tensão entre a cultura católica e a liberdade de costumes.

Mosfilm Companhia Cinematográfica

2007-07-07T12:02:00.000-07:00

A Mosfilm é o maior estúdio de cinema da Rússia e um dos maiores da Europa. Com mais de oitenta anos de história, a companhia produziu cerca de 2500 filmes, muitos dos quais são considerados parte de uma "reserva dourada" da indústria cinematográfica mundial. Vários filmes obtiveram grande número de prêmios em festivais, inclusive três Oscars de melhor filme estrangeiro e um de melhor documentário, além do reconhecimento de milhões de espectadores, tanto na Rússia quanto no exterior. Os mais importantes diretores russos fizeram suas obras-primas no estúdio: Sergei Eisenstein, Pudovkin, Mikhail Romm, Sergey Bondarchuk, Andrei Tarkovsky, Leonid Gaday, entre outros.

Atualmente, a Mosfilm tem equipamentos modernos e de alta tecnologia. É uma empresa na qual se realiza a maior parte da produção audiovisual russa - tem capacidade anual para 100 filmes. Produz, distribui e realiza trabalhos para cinema, vídeo e televisão, além de disponibilizar serviços para todos os estágios do processo cinematográfico, do roteiro à cópia (filme) final.

Ao longo de sua trajetória criativa, a companhia esteve envolvida em um imenso trabalho social: festivais de cinema, semanas de cinema russo em diversos países, encontros com representantes da indústria cinematográfica, russos e estrangeiros. Em 2006, o estúdio cinematográfico participou de 29 eventos como esses. Mais de 60 países já receberam exibições da Mosfilm, tanto de mestres do cinema soviético quanto de filmes da nova geração.

Este ano, a Mosfilm apresenta 14 filmes de sua coleção dourada ao público brasileiro. Assim, os espectadores poderão compreender melhor o cinema russo e as diferenças entre o cinema clássico e o contemporâneo. Há, na mostra do CCSP, gêneros muito diversos: comédias, filmes de guerra, adaptações literárias, ficção científica e thrillers históricos. Desde 1998, a Mosfilm é dirigida por Karen Shakhnazarov, que obteve relevantes prêmios e é membro das Academias de Cinema Russa e Européia. Ele estará presente na abertura do ciclo, no dia 17/7, e no debate sobre cinema russo, que ocorrerá dia 18/7.

Curadoria de Programação de Audiovisual - CCSP
Arnaldo Fernandes Jr

Acesse o site da companhia: www.mosfilm.ru

Galeria Olido - Mosfilm Week

2007-07-07T11:47:00.000-07:00

de 17 a 22
(Os filmes serão exibidos em película com legendas em português e suporte 35mm)
co-realização: MOSFILM
apoio: Consulado Geral da Rússia em São Paulo, Câmara Brasil-Rússia de Comércio, Indústria e Turismo
O ciclo traz uma amostra de 14 filmes russos clássicos e contemporâneos produzidos pela MOSFILM - Empresa russa de fomento à atividade audiovisual.

Idade recomendada: 14 anos
retirada de ingressos: uma hora antes de cada sessão - Cine Olido
entrada franca

Mosfilm Companhia Cinematográfica

A Mosfilm é o maior estúdio de cinema da Rússia e um dos maiores da Europa. Com mais de oitenta anos de história, produziu cerca de 2500 filmes, muitos dos quais são considerados parte de uma "reserva dourada" da indústria cinematográfica mundial. Vários filmes obtiveram grande número de prêmios em festivais, inclusive três Oscar de melhor filme estrangeiro e um de melhor documentário, além do reconhecimento de milhões de espectadores, tanto na Rússia quanto no exterior. Os mais importantes diretores russos fizeram suas obras-primas na Mosfilm: Sergei Eisenstein, Pudovkin, Mikhail Romm, Sergey Bondarchuk, Andrei Tarkovsky, Leonid Gaday, entre outros.
Hoje o estúdio cinematográfico da Mosfilm tem equipamentos modernos e de alta tecnologia. É uma empresa onde se realiza a maior parte da produção audiovisual russa (tem capacidade anual para 100 filmes). Produz, distribui e realiza trabalhos para cinema, vídeo e televisão, assim como disponibiliza serviços para todos os estágios do processo cinematográfico, do roteiro à cópia (filme) final.
Ao longo de sua trajetória criativa, a Mosfilm esteve envolvida em um imenso trabalho social: festivais de cinema, semanas de cinema russo em diversos países, encontros com representantes da indústria cinematográfica, russos e estrangeiros (em 2006, a Mosfilm participou de 29 eventos como esses). Mais de 60 países já receberam exibições da Mosfilm, tanto de mestres do cinema soviético quanto de filmes da nova geração.
Este ano a Mosfilm apresentará 14 filmes de sua coleção dourada ao público brasileiro. Assim, os espectadores poderão compreender melhor o cinema russo e as diferenças entre o cinema clássico e o contemporâneo. Há, na mostra, gêneros muito diversos: comédias, filmes de guerra, adaptações literárias, ficção científica e thrillers históricos, contando com famosos atores russos. Desde 1998 a Mosfilm é dirigida por Karen Shakhnazarov, que obteve relevantes prêmios e é membro das Academias de Cinema Russa e Européia. Seus filmes são mundialmente conhecidos.

Curadoria de Programação de Audiovisual - CCSP
Arnaldo Fernandes Jr

dia 17 - terça
17h
Nós somos do jazz
(Myu iz djzaza, We are jazzmen, Rússia, 1983, cor, 88min)
direção: Karen Shakhnazarov
elenco: Igor Sklyar, Alexander Pankratov-Chyorny, Nikolay Averyushkin, Pyotr Shcherbakov
Três músicos criaram um estilo de jazz muito pessoal. Após alguns incidentes, foram reunidos por um saxofonista. O grupo chega a Moscou com esperança de ser reconhecido pela crítica, público e formadores de opinião do jazz.

19h30
Stalker, o guia
(Stalker, Rússia, 1979, cor, 163min)
direção: Andrei Tarkovsky
elenco: Alexander Kaidanovsky, Alissa Freindlikh, Anatoly Solonitsyn, Nikolai Grinko
Ninguém sabe explicar o surgimento de uma Zona misteriosa no planeta. Apesar do perigo e do isolamento decretado pelo governo, as pessoas tentam entrar. Alguns marginais, conhecidos como "stalkers", sabem entrar e evitar as armadilhas dessa Zona.
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dia 18 - quarta
17h
Espelho
(Zerkalo, The mirrow, Rússia, 1974, cor, 110min)
direção: Andrei Tarkovsky
elenco: Margarita Terekhova, Ignat Daniltsev, Larisa Tarkovskaya, Alla Demidova
O filme mostra a vida espiritual do homem contemporâneo e suas buscas morais e estéticas. É o mais autobiográfico trabalho de Tarkovsky.

19h30
O dia da lua cheia
(Den' palnaluniya, The day of full moon, Rússia,1998, cor, 93min)
direção: Karen Shakhnazarov
elenco: Anna Germ, Andrey Panin, Evgeny Stychkin, Elena Koreneva
Os protagonistas são russos da nova geração pós-URSS: um idoso, um matador bem sucedido, um DJ popular, uma princesa, um monge misterioso, um diplomata estrangeiro e um poeta. Todos têm uma forte e misteriosa ligação.
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dia 19 - quinta
17h
Quando voam as cegonhas
(Letyat zhuravli, Cranes are flying, Rússia, 1957, P&B, 97min)
direção: Mikhail Kalatozov
elenco: Tatiana Samoylova, Alexei Batalov, Vassily Merkuriev, Alexander Shvorin
História de um amor que nem a guerra conseguiu apagar. O filme é baseado na peça Vivo para sempre, de V. Morózova.

19h30
Anna Karenina
(Anna Karenina, Rússia, 1967, cor, 145min)
direção: Alexander Zarkhi
elenco: Tatiana Samoylova, Nikolay Gritsenko, Vassily Lanovoy, Yury Yakovlev
Trágica história de amor e infidelidade. Anna Karenina acredita ser impossível renunciar aos seus sentimentos. Rejeita a moral da sociedade e tenta defender o seu direito de amar. Baseado no romance homônimo do escritor russo Leon Tolstoi.
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dia 20 - sexta
17h
A prisioneira do Cáucaso
(Kavkazskaia plennitza, Kidnapping Caucausian style, Rússia, 1966, cor, 90min)
direção: Leonid Gaidai Yakov
elenco: Natalia Varléy, Aleksandr Demianênko, Yuri Nikúlin, Gueorgui Vítsin
Pai seqüestra filha para casá-la com um velho. A jovem, ao mesmo tempo, apaixona-se por um rapaz que tenta livrá-la desse casamento arranjado.

19h30
Cidade zero
(Gorod zero, The town of zero, Rússia, 1988, cor, 97min)
direção: Karen Shakhnazarov
elenco: Oleg Basilashvili, Leonid Filatov, Vladimir Menshov, Armen Dzhigarkhanyan
Em plena era da Perestroika, um engenheiro chega a uma cidade soviética para inspecionar uma fábrica e encontra uma secretária nua, um cozinheiro suicida e outras situações absurdas.

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dia 21 - sábado
17h
O cavaleiro chamado morte
(Vsadnik pó imeni smert',The rider named death, Rússia, 2004, cor, 104min)
direção: Karen Shakhnazarov
O elenco do filme traz: Andrei Panin, Ksenia Rappoport, Artyom Semakin, Rostilav Berschaver
No começo do século 20 a Rússia foi chocada por uma série de assassinatos a sangue-frio. Os crimes foram atribuídos à "organização de combate", grupo revolucionário socialista e terrorista que tinha como objetivo assassinar o duque Sergey Aleksandrovich.

19h30
Agonia
(Agônia, Agony-Rasputin, Rússia, 1974, cor, 148min)
direção: Elem Klimov
elenco: Velta Line, Alisa Frejndlikh, Anatoly Romashin, Alexey Petrenko
No começo do século, enquanto milhares de camponeses morriam na Rússia, durante a guerra com a Alemanha, o Czar e sua corte viviam luxuosamente. O filme traz detalhes da vida do monge Rasputin, que explora o misticismo da corte levando-a ao fanatismo.
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dia 22 - domingo
15h
Amor cigano
(Tabor urrodit v nebo, Gypsies are found near heaven, Rússia, 1976, cor, 101min)
direção: Emil Lotyanu
elenco: Svetlana Toma, Grigory Grigoriu, Ion Shkurya, Pavel Andreychenko
Um ladrão de cavalo pede a bela Rada em casamento. Ela só aceitará se ele se ajoelhar publicamente. O vaidoso cigano concorda, mas, ao mesmo tempo, não pode resignar-se com tanta humilhação.

17h30
A estrela
(Zvezda, The star, Rússia, 2002, cor, 97min)
direção: Nikolay Lebedev
elenco: Igor Petrenko, Artem Semakin, Alexey Panin, Alexey Kravchenko
No verão de 1944 o exército nazista prepara uma divisão para uma ofensiva na Rússia. Em resposta, os russos enviam um grupo de sete atiradores para uma operação contra-ofensiva atrás das linhas inimigas.

Fonte = http://www.centrocultural.sp.gov.br/programacao_olido_cinema.asp

Obs: Há mostra será exibida em dois locais, no CCSP e no Cine Olido, ou seja, não há desculpas para perder os filmes, são gratuítos e se você não puder assistir em um cinema, poderá assistir em outro.

Centro Cultural São Paulo - Mosfilm week

2007-07-07T11:38:00.001-07:00

de 17 a 22

co-realização: MOSFILM
apoio: Consulado Geral da Rússia em São Paulo, Câmara Brasil-Rússia de Comércio, Indústria e Turismo
(Os filmes serão exibidos em película com legendas em português e suporte 35mm)
O ciclo traz uma amostra de 14 filmes russos clássicos e contemporâneos produzidos pela MOSFILM, empresa russa de fomento à atividade audiovisual.

Idade recomendada: 14 anos
retirada de ingressos: uma hora antes de cada sessão
Sala Lima Barreto - entrada franca

dia 17 - terça
16h
Abertura do oficial do evento
com: Karen Georgievich Shakhnazarov, diretor geral da Mosfilm

O cavaleiro chamado morte
(Vsadnik pó imeni smert',The rider named death, Rússia, 2004, cor, 104min)
direção: Karen Shakhnazarov
elenco:Andrei Panin, Ksenia Rapport, Artyom Semakin, Rostilav Berschaver
No começo do século 20 a Rússia foi chocada por uma série de assassinatos a sangue-frio. Os crimes foram atribuídos à "organização de combate", grupo revolucionário socialista e terrorista que tinha como objetivo assassinar o duque
Sergey Aleksandrovich.

18h
Quando voam as cegonhas
(Letyat zhuravli, Cranes are flying, Rússia, 1957, P&B, 97min)
direção: Mikhail Kalatozov
elenco: Tatiana Samoylova, Alexei Batalov, Vassily Merkuriev, Alexander Shvorin
História de um amor que nem a guerra conseguiu apagar. O filme é baseado na peça Vivo para sempre, de V. Morózova.

20h
Anna Karenina
(Anna Karenina, Rússia, 1967, cor, 145min)
direção: Alexander Zarkhi
elenco: Tatiana Samoylova, Nikolay Gritsenko, Vassily Lanovoy, Yury Yakovlev
Trágica história de amor e infidelidade. Anna Karenina acredita ser impossível renunciar aos seus sentimentos. Rejeita a moral da sociedade e tenta defender o seu direito de amar.
Baseado no romance homônimo do escritor russo Leon Tolstoi.
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dia 18 - quarta
16h
Tchaikovsky
(Rússia, 1969, cor, 157min)
direção: Igor Talankin
elenco: Innokenty Smoktunovsky, Antonina Shuranova, Yevgheny Leonov,
Maya Plisetskaya
Passagens da infância e os últimos vinte anos da vida do compositor com sua guardiã e protetora, a Baronesa Von Meck. Fragmentos de suas óperas e balés, executados pelos melhores músicos russos, também são registrados no filme.

18h40
A prisioneira do Cáucaso
(Kavkazskaia plennitsa, Kidnapping Caucausian style, Rússia, 1966, cor, 90min)
direção: Leonid Gaidai Yakov
elenco: Natalia Varléy, Aleksandr Demianênko, Yuri Nikúlin, Gueorgui Vítsin
Pai seqüestra filha para casá-la com um velho. A jovem, ao mesmo tempo, apaixona-se por um rapaz que tenta livrá-la desse casamento arranjado.

20h30
Debate
Cinema russo - Mosfilm week
com: Karen Georgievich Shakhnazarov (escritor, cineasta e produtor) - mediadora: Natalia Kuznetsova (atriz, roteirista e produtora)
Ver programação de Debates e palestras

Nós somos do jazz
(Myu iz djzaza, We are jazzmen, Rússia, 1983, cor, 88min)
direção: Karen Shakhnazarov
elenco: Igor Sklyar, Alexander Pankratov-Chyorny, Nikolay Averyushkin, Pyotr Shcherbakov
Três músicos criaram um estilo de jazz muito pessoal. Após alguns incidentes, foram reunidos por um saxofonista. O grupo chega a Moscou com esperança de ser reconhecido pela crítica, público e formadores de opinião do jazz.
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dia 19 - quinta
16h
Cidade zero
(Gorod zero, The town of zero, Rússia, 1988, cor, 97min)
direção: Karen Shakhnazarov
elenco: Oleg Basilashvili, Leonid Filatov, Vladimir Menshov, Armen Dzhigarkhanyan
Em plena era da Perestroika, um engenheiro chega a uma cidade soviética para inspecionar uma fábrica e encontra uma secretária nua, um cozinheiro suicida e outras situações absurdas.

18h
Agonia
(Agônia, Agony-Rasputin, Rússia, 1974, cor, 148min)
direção: Elem Klimov
elenco: Velta Line, Alisa Frejndlikh, Anatoly Romashin, Alexey Petrenko
No começo do século, enquanto milhares de camponeses morriam na Rússia, durante a guerra com a Alemanha, o Czar e sua corte viviam luxuosamente. O filme traz detalhes da vida do monge Rasputin, que explora o misticismo da corte levando-a ao fanatismo.

21h30
Espelho
(Zerkalo, The mirrow, Rússia, 1974, cor, 110min)
direção: Andrei Tarkovsky
elenco: Margarita Terekhova, Ignat Daniltsev, Larisa Tarkovskaya, Alla Demidova
O filme mostra a vida espiritual do homem contemporâneo e suas buscas morais e estéticas. É o mais autobiográfico trabalho de Tarkovsky.
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dia 20 - sexta
16h
O dia da lua cheia
(Den' palnaluniya, The day of full moon, Rússia,1998, cor, 93min)
direção: Karen Shakhnazarov
elenco: Anna Germ, Andrey Panin, Evgeny Stychkin, Elena Koreneva
Os protagonistas são russos da nova geração pós-URSS: um idoso, um matador bem sucedido, um DJ popular, uma princesa, um monge misterioso, um diplomata estrangeiro e um poeta. Todos têm uma forte e misteriosa ligação.

18h
Amor cigano
(Tabor urrodit v nebo, Gypsies are found near heaven, Rússia, 1976, cor, 101min)
direção: Emil Lotyanu
elenco: Svetlana Toma, Grigory Grigoriu, Ion Shkurya, Pavel Andreychenko
Um ladrão de cavalo pede a bela Rada em casamento. Ela só aceitará se ele se ajoelhar publicamente. O vaidoso cigano concorda, mas, ao mesmo tempo, não pode resignar-se com tanta humilhação.

20h
Stalker, o guia
(Stalker, Rússia, 1979, cor, 163min)
direção: Andrei Tarkovsky
elenco: Alexander Kaidanovsky, Alissa Freindlikh, Anatoly Solonitsyn, Nikolai Grinko
Ninguém sabe explicar o surgimento de "Zona", misterioso lugar do planeta. Apesar do perigo e do isolamento decretado pelo governo, as pessoas tentam entrar. Alguns marginais, conhecidos como "stalkers", sabem entrar e evitar as armadilhas dessa Zona.
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dia 21 - sábado
16h
A estrela
(Zvezda, The star, Rússia, 2002, cor, 97min)
direção: Nikolay Lebedev
elenco: Igor Petrenko, Artem Semakin, Alexey Panin, Alexey Kravchenko
No verão de 1944 o exército nazista prepara uma divisão para uma ofensiva na Rússia. Em resposta, os russos enviam um grupo de sete atiradores para uma operação contra-ofensiva atrás das linhas inimigas. Mas isso terá um custo alto.

18h
Andrei Rublev
(Andrei Rublev, Rússia, 1966, cor/P&B, 205min)
direção: Andrei Tarkovsky
elenco: Anatoly Solonitsin, Ivan Lapikov, Nikolai Grinko, Yuri Nazarov
Andrei Rublev é um pintor de ícones na Rússia do início do século 15. Foi encarregado de pintar as paredes da Catedral da Anunciação, no Kremlim. Ele trabalha sob a direção do mestre grego Téofanes, que é atormentado pela crueldade da época e que atribui à ira do céu. Já Rublev acredita no livre arbítrio.

21h30
Anna Karenina
(Anna Karenina, Rússia, 1967, cor, 145min)
direção: Alexander Zarkhi
elenco: Tatiana Samoylova, Nikolay Gritsenko, Vassily Lanovoy, Yury Yakovlev
Trágica história de amor e infidelidade. Anna Karenina acredita ser impossível renunciar aos seus sentimentos. Rejeita a moral da sociedade e tenta defender o seu direito de amar.
Baseado no romance homônimo do escritor russo Leon Tolstoi.
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dia 22 - domingo
16h
Nós somos do jazz
(Myu iz djzaza, We are jazzmen, Rússia, 1983, cor, 88min)
direção: Karen Shakhnazarov
elenco: Igor Sklyar, Alexander Pankratov-Chyorny, Nikolay Averyushkin, Pyotr Shcherbakov
Três músicos criaram um estilo de jazz muito pessoal. Após alguns incidentes, foram reunidos por um saxofonista. O grupo chega a Moscou com esperança de ser reconhecido pela crítica, público e formadores de opinião do jazz.

18h
A prisioneira do Cáucaso
(Kavkazskaia plennitsa, Kidnapping Caucausian style, Rússia, 1971, cor, 90min)
direção: Leonid Gaidai Yakov
elenco: Natalia Varléy, Aleksandr Demianênko, Yuri Nikúlin, Gueorgui Vítsin
Pai seqüestra filha para casá-la com um velho. A jovem, ao mesmo tempo, apaixona-se por um rapaz que tenta livrá-la desse casamento arranjado.

20h
Andrei Rublev
(Andrei Rublev, Rússia, 1966, cor/P&B, 205min)
direção: Andrei Tarkovsky
elenco: Anatoly Solonitsin, Ivan Lapikov, Nikolai Grinko, Yuri Nazarov
Andrei Rublev é um pintor de ícones na Rússia do início do século 15. Foi encarregado de pintar as paredes da Catedral da Anunciação, no Kremlim. Ele trabalha sob a direção do mestre grego Téofanes, que é atormentado pela crueldade da época e que atribui à ira do céu. Já Rublev acredita no livre arbítrio.

http://www.centrocultural.sp.gov.br/programacao_cinema.asp

Vejo vocês por lá.

Sobre os Cinemas

2007-07-03T11:30:00.001-07:00

Gostaria de discutir aqui algumas questões acerca da produção cinematográfica em nossos dias, sobretudo no Brasil. Não tenho a pretensão de realizar uma análise audaciosa e inovadora, pois, além da complexidade que lhe é particular, o cinema é uma arte em constante transformação. A passagem dos meios analógicos para o digital tem consumido neurônios de muitos críticos, técnicos e artistas ligados ao cinema e as artes audiovisuais. Porém, embora o assunto que quero discutir seja anterior às estas transformações técnicas ele não deixa de ser pertinente aos novos meios de produção digital, pois, mesmo sendo estes mais baratos, ainda requerem pesados investimentos materiais e profissionais. Deste modo, gostaria de discutir sobre os meios de financiamento, produção e distribuição audiovisual no Brasil, principalmente, no caso do cinema.

Não é um exagero afirmar que o cinema deva ser considerado uma gigantesca indústria, dependente de vários setores de produção diferentes e que conta com uma complexa divisão do trabalho. O cinema é caro e para que se realize, uma série de recursos devem ser direcionados para sua produção. Isso se dá em qualquer lugar do mundo, e mesmo um cinema marginal, independente, financiado com poucos recursos, mesmo este, ainda é restrito a grupos muito seletos - isto por que estou falando apenas da produção, nem entrando no mérito de questões tais como distribuição. Além do mais, os recursos aos quais me refiro não são apenas materiais como, em coro, os cineastas brasileiros gostam de afirmar, nosso cinema não carece apenas de dinheiro, há uma carência de artistas e técnicos competentes e originais. Creio eu que os resultados das bilheterias dos filmes nacionais talvez sejam um ótimo demonstrativo que venham a corroborar muito bem o que estou falando, nosso cinema não esbanja sensibilidade e empatia no que diz respeito à formação e a relação com o público.

Outro aspecto, e este carece sem dúvidas de estudos e reflexões mais aprofundadas, é uma questão levantada em uma discussão entre amigos, o brasileiro realmente gosta de cinema? Qual o nível da relação do brasileiro com esta arte tão industrial? Vamos partir do princípio que exista sim um público para o cinema no Brasil e meu principal argumento para a existência deste público são os próprios dados das bilheterias dos cinemas brasileiros. Embora não tenham uma relação muito forte com o cinema, como os norte-americanos, há sim um público e ele vai ao cinema, e vai, sobretudo, para ver filmes estrangeiros.

Tendo feitos estas considerações, vamos para outros pontos. Uma vez que no Brasil o cinema é carente de pesados investimentos financeiros e humanos, e que esta produção não consegue atingir seu público, temos um problema gravíssimo, afinal de contas esta produção deve ser custeada por alguém, alguém que legitime a produção e a financie, assim, qual tipo de produção deveria ser priorizado?

Há muita discussão acerca da superioridade dos filmes de autores e/ou de arte, de um cinema experimental sobre filmes destinados a um amplo público, ou vice versa. Esta discussão para mim é tola, deve-se entender a inutilidade de afirmações categóricas sobre qual é melhor ou pior. Pois aquele cria, inventa, é dinâmico enquanto este último assimila, reproduz e sintetiza as inovações das vanguardas experimentais tornando-as assimiláveis para o grande público.

Acredito que seja um grande risco para a arte cinematográfica, assim como para qualquer outra, que as diretrizes para financiamento privilegiem uma ou outra tendência ou estilo, pois acredito que estas possam ser solidárias entre si e que possa existir um equilíbrio entres os diversos tipos de produção.

Portanto, pretendo discorrer sobre dois modelos econômicos que conseguiram este equilíbrio, principalmente no que tange à diversificação de sua produção. O que mais me espanta é que os dois sistemas encontram-se em modelos econômicos diametralmente opostos, o do capitalismo norte americano e o de economia planificada do regime socialista soviético.

Dois sistemas de produção – o norte americano e o soviético

A URSS aparece na história como a maior experiência socialista da história, entendendo isso no plano econômico, pode-se afirmar que numa economia socialista, que visa uma organização total da vida econômica pelo estado, este é transformado em principal proprietário dos meios de produção e detentor do julgamento último do que e em que escala deve ser produzido. No caso do regime soviético e de sua produção cinematográfica, este teve grandes méritos, pois fora na URSS que cineastas do porte de Eisenstein, Vertov e Tarkovsky surgiram e tiveram recursos diversos para realizarem verdadeiras obras primas como: Andrey Rublev, Stalker, O Espelho, Solaris, Um Homem com uma Câmera, Encouraçado Potenkim, entre tantos outros que se tornaram filmes absolutamente relevantes para a história do cinema mundial. Mesmo alguns destes cineastas tendo sérias divergências em relação ao Partido Comunista e ao estado soviético suas obras se realizaram e hoje gozam de um status único influenciando, inclusive, diretores que atuam ou já atuaram junto à grande indústria cinematográfica hollywoodiana. É importante lembrar que me refiro apenas ao cinema, não levando em consideração as influências que alguns artistas soviéticos exerceram em outros campos, como o caso de Yuri Norstein, cuja animação “O Conto dos Contos” foi aclamada como a melhor animação de todos os tempos pela própria crítica norte-americana.

As obras destes autores se consolidaram, mesmo muitas tendo sido censuradas e colocadas no index do regime. O surpreendente é que dentre estas obras censuradas há uma pequena parte disso tudo que o ocidente só agora, depois da Perestroika e Glasnost ou devido a contrabando por parte de alguns burocratas corruptos e artistas envolvidos em contrabando de obras de arte, está tendo acesso, como no caso de alguns filmes de Sokurov e Paradjanov[1] - sendo estes dois autores o caso de cineastas que conseguiram uma certa repercussão no ocidente tendo seu reconhecimento limitado apenas pelo desconhecimento do grande público, no entanto, gozando de grande apreço por parte de muitos cineastas e estudiosos das mais variadas áreas. Logo, imaginem quantos outros artistas tiveram seus trabalhos censurados depois de produzidos e que hoje encontram-se no mais completo desconhecimento perdidos em estantes empoeiradas de porões empoeirados, esperando ansiosamente por pesquisadores dispostos a enfrentarem o mofo e a má vontade de burocratas? Imaginem que existam muitos filmes censurados e guardados nos acervos dos institutos e faculdades de cinema na Rússia e que apenas poucas pessoas tiveram acesso por décadas! Imaginem quando este material finalmente for liberado e distribuído? Que patrimônio artístico cultural incalculável deve conter este acervo.

Porém, independente da grande quantidade de obras proibidas, a produção cinematográfica russa oficial é das mais vastas imagináveis, podendo os pesquisadores da área defrontarem-se com materiais dos mais variados continuamente, há muito a ser visto e estudado, digo isso não só na área do cinema ficcional, mas também como em animação e documentários. O centralismo intervencionista soviético soube compreender o significado do cinema e da importância do investimento no mesmo, e mesmo depois de financiar obras que seriam posteriormente censuradas teve a sensibilidade de não destruir o material produzido e guardando-o à posteridade.

Assim, ressalto que não se trata apenas de fazer críticas ao regime soviético, não pretendo aqui delongar sobre os problemas políticos e econômicos inerentes a este regime autoritário e aos custos de seu desenvolvimento em vários campos estéticos e técnicos, a propósito, cineastas com Tarkovsky, Paradjanov e Sokurov faziam este enfrentamento e já antes deles, muitos escritores e poetas foram fuzilados, presos e deixados morrer de fome em campos de trabalhos perdidos entre a neve, como o caso de Isaac Babel e Goumilev. Fiz questão de inserir este parágrafo, pois pode parecer que eu seja um entusiasta do regime e quero deixar bem claro que não se trata disso, o que me impressiona é como a máquina estatal soviética funcionava com energia e eficiência. Para compreendermos a vitalidade desta produção, imagine que na URSS era praticamente impensável a existência de um cinema marginal e/ou independente, o estado soviético abarcava toda a produção audiovisual!

No campo antagonicamente oposto, encontramos o modelo de produção norte americano. Cabe lembrar que não pretendo analisar qual é o melhor, reafirmo, não se trata de discutir ideologias, quero aqui entender como estes sistemas atingiram seus fins, realizando uma vasta e importante produção cinematográfica. O modelo dos EUA se pauta no consumo, e como o cinema é caro, ele deve financiar a si próprio e ainda gerar lucros e, assim sendo, poucos podem afirmar que o modelo norte americano seja um fracasso. Se a indústria norte americana hoje enfrenta uma crise, esta se deve muito mais às radicais transformações técnicas que nossos dias têm presenciado do que necessariamente pela forma como sua indústria se organiza.

No caso dos EUA, que é responsável por grande parte da produção cinematográfica no ocidente, encontramos uma indústria cinematográfica altamente competitiva, rentável e, por conseguinte, diversificada, com produções para todos os públicos, desde um filme como “Comando para Matar” e os diversos “Rambos” e “Homens Aranhas” até obras de diretores consagrados e respeitados mundialmente como Kubrick, Hitchcock, Scorsese, Coppola, Oliver Stone, David Lynch, Robert Altman, Orson Welles e John Cassavetes, entre tantos outros. Neste modelo, é o consumidor que legitima a produção consumindo-a, prestigiando e consequentemente a financiando. Este mecanismo possui seus aspectos negativos, pois muito da produção pode ficar sujeita a interesses particulares e concepções estéticas de pessoas que muitas vezes não possuem a menor noção de cinema e da sua história e mutilam trabalhos artísticos autênticos em função de interesses mercadológicos. No entanto, isso não acontece apenas em economias de mercado! Um dos casos mais absurdos de deturpação histórica e utilização do cinema para mera propaganda que conheço no cinema se dá no filme “Alexander Nevsky” de Eisenstein, este que nos apresenta um príncipe medieval russo como um ateu materialista do século XIX, a religiosidade russa é simplesmente apagada da história de seu povo. Estou falando de cinema feito por encomenda ideológica. Talvez, Eisenstein tenha sido o primeiro publicitário a utilizar-se do cinema como meio de propaganda. Poderia enumerar muitos outros casos na antiga URRS, mas vou abandonar aqui minha truculência com os mesmos, vou dar outro exemplo famoso, talvez um doa mais famosos da história do cinema, o caso de um dos maiores clássicos do neo-expressionismo alemão, o filme “Gabinete do Dr. Caligari”, que apenas uma alteração em sua introdução e final do filme pervertem totalmente o sentido do roteiro.[2]

Cito estes exemplos com a intencionalidade de dizer que o cinema deixa de ter valor enquanto produto em si e ganha caráter meramente político em um caso, ou publicitário em outro. Ele é destituído de sua essência reflexiva e deixa de ser uma obra de arte ou uma mercadoria cujo fim último não é ele próprio. Não que ele não comporte em si próprio um caráter político e econômico e que não seja um produto, entretanto, estas qualidades são imanentes à obra. Sou declaradamente contra politizar a arte, pois esta, por si própria já possui este caráter. Se existe a intencionalidade de dar um caráter político a algo que já possua em seu âmago esta essência, sentimos algo estranho, que não se ajusta, pois percebemos uma saturação de sentido que extrapola a obra e a empobrece, daí o panfletarismo. Se quisermos transformar o cinema em panfleto político, podemos entrar em uma séria contradição terrível, uma vez que os meios de sua produção dizem uma coisa enquanto seu conteúdo outro! Por outro lado, se a intenção for meramente um produto a ser vendido, ele pode carecer de alma e com isso acarretar enormes prejuízos ao seu produtor.

Voltando à questão da legitimação pelo consumidor, cabe lembrar que no sistema soviético, as coisas não se dão de modo diferente do modo como se dá em economias de mercado, é o “público”, ou o status quo que irá legitimar o que é ou não produzido com os recursos oriundos do seu trabalho. Um trecho das correspondências remetidas a Tarkovsky por um espectador que acabara de assistir ao “O Espelho” demonstra as opiniões que alguns “consumidores” de cinema soviético possuíam com os autores e com o estado financiador:

“Que vulgaridade, que porcaria! Bah, que revoltante! De qualquer forma, creio que seu filme não irá mesmo fazer sucesso. Com toda a certeza, não conseguiu mesmo atingir seu público, e, afinal, é isso o que importa.”... “É de admirar que as pessoas responsáveis pela distribuição dos filmes aqui na União Soviética deixem passar tais disparates”[3]

Assim, a despeito das ideologias, do gigantismo soviético, ou da transformação do cinema em mercadoria, tão comum nas chamadas economias de mercado e de capitalismo avançado, podemos afirmar que em ambas existem mecanismos de seleção para a produção e distribuição, que não eram e não são arbitrários, estando estes mecanismos geralmente ligados ao público que irá legitimar ou não uma produção e que qualquer tentativa de enganar o público será sentida imediatamente. Porém, a grande dificuldade é quando se trata de um problema muito complexo, quando o experimentalismo, nem sempre agradável e de fácil assimilação deve ser financiado com dinheiro alheio.

CINEMA DE VANGUARDA OU EXPERIMENTAL E CINEMA PARA O GRANDE PÚBLICO.

Tenho a leve impressão de que quando fiz a crítica há alguns parágrafos acerca do filme “Alexander Nevsky”, alguns dos que leram este texto podem ter torcido o nariz ou franzido ou olhos e terem me chamado de idiota. Definitivamente, não pretendo colocar o nome Eisenstein junto a uma enormidade de nomes medíocres e inexpressivos, seu nome deve ser lembrado, Eisenstein tem seu lugar na história do cinema e este lugar é único. Considero seu cinema um dos pilares do grande cinema soviético, porém, acredito que suas contribuições sejam de natureza técnica. Tenho a convicção de que as deformações da história feitas por ele cheguem a ser criminosas e que possuindo um caráter altamente ordinário não possam se inserir em uma concepção de arte cuja finalidade seja um pouco mais nobre a vá ao sentido de possibilitar àquele que entra em contato com sua obra uma reflexão acerca de si próprio e de seu mundo. Por estes e outros motivos acredito que Eisenstein deva ser devidamente lembrado, e, como já disse, talvez ele tenha sido o precursor do uso do cinema como instrumento de propaganda.

Fiz questão de começar a discussão sobre os cinemas de vanguarda, experimental ou de autor e aquele feito para o grande público falando sobre este grande publicitário que foi Eisenstein, afinal, qual estudante de cinema não se viu confrontado em um momento ou outro com este cineasta? Orson Welles, Glauber Rocha, Buñuel e Tarkovsky, os participantes do Neo-realismo italiano e até mesmo cineastas do Reich reconheceram o talento de Eisenstein, as inovações técnicas encontradas pelo mesmo e sua “montagem dialética” foram transformadoras demais para serem deixadas de lado, assim como Griffith, - injustamente menos citado neste texto -, o cinema não poderia ser o mesmo depois do trabalho destes dois gênios.

Mas não é esta a discussão que quero desenvolver, quero perguntar o que seria do cinema e da grande indústria cinematográfica sem estes grandes criadores e das gerações que se originaram deles? Seria um disparate dizer que a história do cinema poderia não ter sido tão rica - rica nos dois sentidos – sem a contribuição destas figuras tão díspares? Será que o cinema teria sido um produto tão rentável, em todos os aspectos, simbólico e econômico sem estas vanguardas criativas? Talvez seja justamente neste ponto que estejamos enfrentando uma crise na indústria cinematográfica.

Então, retornamos ao final do subtítulo anterior, se nos restringirmos às vontades e desejos do grande público, o cinema, ou qualquer tipo de arte que requeira médios e grandes investimentos, pode entrar em um complicado estado de estagnação. Imaginem a situação e desculpem-me a brincadeira, imaginem se eu fosse responsável em censurar ou liberar recursos para uma produção de Eisenstein? Conseguem imaginar o crime que eu poderia cometer contra a técnica cinematográfica? Ou imaginem que o engenheiro anteriormente citado por ter escrito uma carta a Tarkovsky tivesse razão e os “disparate” chamado O Espelho não tivesse sequer sido produzido? Ou se, em outro contexto, os filmes, por exemplo, de Peter Greenaway e Buñuel, que não gozam de grande público[4], não tivessem sido produzidos em função do público relativamente pequeno dos mesmos?

Muito do que estes autores fizeram alimentou e influenciou tudo que foi realizado na indústria do cinema, seja ela capitalista ou de economia planificada. Assim, uma política de produção de filmes deve levar em conta que é necessário, assim como pesquisas em tecnologia, desenvolver e financiar experiências, o cinema de autor deve receber subsídios a qualquer custo se o cinema quiser continuar gozando de seu status, como arte, como instrumento de propaganda ou educação ou/e como mercadoria.

O caso brasileiro

O vulgo Cinema brasileiro tem-se mostrado, em minha opinião, um fracasso. Neste ponto, façamos um pequeno recuo, voltando às diferenças entre o regime soviético de Estado e os de livre mercado, se o fizermos, perceberemos que no nosso caso existe uma mescla destes dois modelos, o Estado e a iniciativa privada acabam interferindo na realização dos trabalhos, um mecanismo dúbio, que trás em seu bojo o lado negativo dos dois modelos, isto tem sido nocivo, porque se tem criado um cinema comprometido tanto política quanto economicamente e isso é ruim, pois acredito que destitui do cinema a sua verve artística, da liberdade que o artista precisa para poder criar. Não é por menos que os filmes brasileiros são uns fracassos de bilheteria e de prêmios em festivais. Estes dois tipos de financiamento intervencionistas são nocivos e é conseqüência de um jogo perverso onde não há capital próprio para a produção cinematográfica. Não há no Brasil algo como uma indústria, e o que há é insignificante e incapaz de gerir, financiar, produzir e distribuir seu produto de forma autônoma. Neste contexto que surgem grupos formados por profissionais e técnicos de cinema que especializados em negociar tanto com o estado e com alguns capitais privados oferecendo em troca roteiros repetitivos e sem criatividade nenhuma, roteiros que os financiadores tanto querem ver concretizados, seja para propagandear a miséria brasileira, que por sua vez legitimará um estado cada vez mais forte, ou para oferecer produtos e modismos nefastos, dos quais grande parte da indústria atual tira seus lucros.

Ou seja, o cinema feito no Brasil tem um outro público e este não é aquele que vai às salas de exibição e sim aqueles que financiam os filmes e, que em alguns casos, jamais irão vê-los.

Deste modo, creio ser fundamental a articulação entre aquilo que chamo de aspectos positivos dos dois modelos, ou seja, pesados investimentos do estado na formação de cineastas e produção de filmes dos mais variados e a facilitação para a construção de uma indústria cinematográfica brasileira, e que o estado descarte o intervencionismo nas obras produzidas, estas por si próprias trarão em sua “essência” as marcas de como e o contexto em que foram realizadas. Quanto ao capital privado no Brasil, este deveria adquirir a consciência de que o cinema, o filme, é por si só um produto e não apenas um meio para se vender produtos, pois se assim não o for, podemos ficar soterrados por uma produção pobre, sem conteúdo, afetada, repetitiva, pedante e pretensiosa, comprometida ora em fazer discursos ideológicos, ora em vender cerveja.

Devo finalizar afirmando que não se deve abrir mão da criação genuína e do experimentalismo necessário para a criação de novos paradigmas, estes que por sua vez alimentarão a produção cinematográfica com o novo, o novo tão desejado pelo grande público que consome, consome e consome.

[1] Existe algum material audiovisual de Paradjanov na internet (Um dos quais disponibilizo logo abaixo) e tudo indica que o material censurado pelo estado soviético que hoje é encontrado na web sejam trabalhos que tenham sido contrabandeados e vendidos para ricos colecionadores nos EUA e na Europa. Ainda mais, segundo Bóris Schnaiderman, o próprio Paradjanov fora condenado a quinze anos de prisão tendo sido acusado por envolvimento com “negócios fraudulentos” com obras de arte. Para quem tiver interesse; Bóris Schnaiderman, Os Escombros e o Mito, A Cultura e o Fim da União Soviética. Cia. das Letras.1997.

[2] Não quero aqui entrar no mérito desta antiga e clássica discussão, para quem se interessar pelo assunto pode buscar saber mais no livro de Siegfried Kracauer, De Caligari a Hitler. RJ, zahar, 1990.

[3] Andrei Tarkovsky, Esculpir o Tempo. São Paulo: Martins Fontes, 1998.

[4] Quando digo grande público penso em campeões de bilheteria que levam milhões de pessoas ao cinema e não autores que são apreciados apenas em alguns segmentos sociais, como, em minha opinião, são os autores citados.

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Segue parte do curta de Paradjanov, Hagop Hovbatanian.

Roadside Picnic - Arkady and Boris Strugatsky

2007-06-28T21:48:00.000-07:00

É com muito prazer que venho disponibilizar aqui no Cinestesis o texto dos irmãos Arkady e Boris Strugatsky, Roadside Picnic ( Pique e Nique à Beira da Estrada). O livro, que não tem tradução para o português e não é comercializado no Brasil, está em inglês e creio ser de grande valia a todos os cinéfilos, pesquisadores do cinema e da cultura russa, assim como interessados em literatura em geral. Sempre bom lembrar que o romance é a inspiração do filme Stalker de Andrei Tarkovsky.

Espero que seja proveitosa a leitura.

Para ter acesso ao livro, clique aqui!

Veja um trecho do filme....

Man Ray e Dmitri Shostakovith

2007-06-13T08:27:00.000-07:00

Voltando às postagens, venho com mais um pouquinho de arte e considerações, estou disponibilizando este clássico do cinema, este que é uma espécie de precursor da linguagem de vídeo, mas feito em película, rsrsrsrsrs.

Man Ray, artista muitas vezes classificado entre o surrealismo e o dadaismo (esqueçam as cronologias), tem vários trabalhos visuais com fotografia e filmes, tais como este que vos apresento aqui....

Em particular, gosto muito de um trabalho de Man Ray, uma série de fotografias que simulam seres acéfalos... .realizado numa época em que trabalhou com Georges Bataille, ambos editores da revista surrealista Acéphale.

A temática da acefalia dizia respeito ao contexto em que o movimento se desenvolveu, o entre guerras, onde tudo indicava que, num mundo onde a racionalidade era a palavra de ordem, tudo indicava que as pessoas haviam perdido a cabeça!!!

"O que fizeram com a minha cabeça?"

Outro de seus temas interessantes era a constante referência entre pessoas e objetos...onde as pessoas, principalmente as mulheres, eram associadas a objetos, como o violino por exemplo....

Bem, fiz uma pequenina apresentação, só para contextualizar. Aqui vai o filme com a trilha sonora altereada... coloquei um trecho de uma composição de Dimitri Shostakovich, compositor russo da primeira metade do século e contemporâneo de Man Ray.

Meus livros, filmes e discos.

"Man Ray Photographs"
Jean-Rubert Martin

"This striking collection brings together his classic photographs with a huge number of less familiar images. This is the truly definitive revelation of Man Ray, Jean Cocteau's 'great poet of the darkroom'."(Resenha do site da Livraria Cultura)

Saiba mais sobre o livro aqui!

"O Corpo Impossível"
Eliane Robert Moraes.

"A fragmentação da consciência, um dos princípios fundadores do modernismo, desencadeou de forma correlata a idéia de fragmentação do corpo. Entre o fim do século XIX e a Segunda Grande Guerra, diversos artistas e escritores europeus se voltaram para a criação de imagens do corpo dilacerado, dispostos a subverter a tradição do antropomorfismo. Em "O Corpo Impossível" , Eliane Robert Moraes recompõe o itinerário desse imaginário. Para tanto, promove uma análise da vertente do modernismo francês que vai de Lautréamont aos surrealistas, com particular atenção ao pensamento de Georges Bataille." ( Resenha do site da Livraria Cultura)

Para saber mais sobre o livro, clique aqui!

" String Quartet No. 8"

Dmitri Shostakovich (1906-1975)

O furor de um dos maiores compositores russos modernos.

Para adquirir o cd, clique aqui!

Ao som de Alfred Schnittke - Steam.

Apresentação

2007-04-23T12:34:00.000-07:00

Inauguro este blog com um imenso prazer, mas antes das apresentações algumas reflexões acerca de minha experiência: Quando criei meu primeiro blog, jamais imaginei que ele teria tantos acessos e que encontraria tantas pessoas realmente interessadas em discutir questões ligadas ao cinema, música, cultura, arte e política em geral. Deste modo, precisei me reorganizar, e vejo isso positivamente, para poder cada vez mais publicar e compartilhar idéias. Assim, vem ao mundo virtual, o Cinestesis, cuja principal tarefa será a de continuar discutindo, com sinceridade, todas as questões das quais já tratei anteriormente e muitas outras. O nome, Cinestesis, tem significação na intenção de abarcar não só um tema, ou sentido, mas vários e quem sabe, fundir todos entre si, interligando-os. Também, chamar a atenção ao movimento acelerado e contínuo, caótico, de nossa época e uma reflexão acerca da mesma.

Outro acontecimento dos mais felizes é a parceria com as amigas Aline e Ana, meninas de escrita sensível, cada uma com um gosto vigoroso e diferentemente singulares. Tenho certeza que poderemos fazer muitas coisas juntos.

Ocupando o centro de nossas atenções tentaremos tratar do cinema, sobretudo, de um cinema mais intelectual e diferenciado, sem pretensões e sem pedantismo. Mas sem perder de vista que o cinema, antes de tudo, trata sobre o mundo, e melhor ainda quando trata do mundo de forma poética.

Um dos maiores desafios deste novo projeto será o de manter a espontaniedade, sem formalidades vernaculares castrantes, e também, por outro lado, sem superficialidade, sem preguiça e coragem intelectuais, esta última muito importante para o enfrentamento dos novos sensos comuns que dominam nosso cotidiano.

A partir de agora iremos publicar ensaios, poemas, reflexões, contos, e trabalhos acadêmicos de pessoas que se interessem por cinema, por cultura, enfim, por discussões acirradas, importantes e interessantes. Assim como a tradução de artigos inéditos em língua portuguesa. Cabe lembrar que nossas traduções não tem a pretensão de se afirmarem como traduções profissionais e definitivas de qualquer material e nem que comportem o sentido último do que o autor em questão quis dizer, trata-se mais de humilde esforço de trazer um pouco do gigantesco montante de material intelectual não traduzido para nosso belo e tão menosprezado idioma. Os links para os textos originais, assim como os próprios serão disponibilizados no blog para quem dominar o idioma de origem.

Era isto que queria dizer....Espero que gostem do blog, que possam aprender com ele e que também venham a compartilhar do que já sabem.

A princípio, vou repostar os textos antigos; para muito breve, pretendo fazer um texto sobre o filme, O Retorno, de Andrey Zvyagintsev, ainda, existe também a intenção de postar artigos do Studies in Russian and Soviet Cinema ^¹e de outros periódicos sobre cinema. No futuro, estarei disponibilizando também, observações de minha pesquisa sobre as tumultuadas relações entre Andrey Tarkovsky e o regime socialista da URSS.

Já que estão feitas as apresentações, vamos ao trabalho.

Dannyeu

1 http://www.intellectbooks.co.uk/journals.php

Tarkovsky fala sobre roteiros.

2007-04-23T12:25:00.000-07:00

Bem, todos que me conhecem sabem da profunda admiração que tenho por este cineasta, deste modo, resolvi colocar algumas coisas sobre ele aqui. Enquanto não escrevo nada a respeito, traduzirei algumas coisas que encontrar em inglês e colocarei aqui material inédito em português. Bem, já falei demais, ae vai uma pequena lição de cinema.

Escrever roteiros e dirigir filmes.
(Notas de aulas ministradas por Andrei Tarkovski no VGIK).

“Eu não posso imaginar realizar um filme baseado em um roteiro que eu não escrevi. Um diretor que faça uma película baseada inteiramente em um roteiro que outra pessoa escreveu transforma-se necessariamente em um ilustrador [...]”.

“Eu tentarei explicar mais detalhadamente o que eu entendo por roteiro e pelo termo “roteirista”. Dizem haver “roteiristas profissionais”, mas em minha opinião, não há realmente tal coisa. Estas pessoas devem ser escritores com boa compreensão de cinema ou devem transformarem-se em diretores eles mesmos (mostrando a habilidade de organizar o seu material literário). Porque, como eu tenho mencionado, não há nenhum gênero literário chamado “roteiro”.

“Nós nos deparamos então com um dilema. Vejamos, um diretor, ao preparar um roteiro,

decide-se escrever no papel somente a seqüência dos eventos e dos episódios como imaginou, como bocados concretos a serem passados para a película. Feito este exame, percebemos porque um trabalho da literatura em roteiro seria disjuntado, inacessível, e totalmente incompreensível, não somente a um leitor ocasional, mas a qualquer um envolvido em um trabalho adicional na película”.

“Se com sua mão o roteirista escolher expressar sua idéia original em um formato literário como um escritor, seu trabalho já não é um roteiro. Transforma-se em um trabalho leterário, como por exemplo, alguma história que extrapole setenta páginas. Se o roteirista estiver preparando também um quadro, pode também anda ir até a câmera e filmar na película ele mesmo, porque ninguém exceto ele tem a visão do trabalho e nenhum diretor faria um trabalho melhor do que ele [...]”.

“Dado assim, um roteiro muito bom e “cinemático”, um diretor atribuído a ele não teria nada a fazer. E se um roteiro for apresentado no formato de um trabalho literário, o diretor será forçado a começar tudo novamente”.

“Sempre que um diretor começa a trabalhar em um roteiro, este começa invariavelmente a mudar, não importa quão profundo ou detalhado o roteiro seja. O diretor nunca produzirá uma película que seja uma tradução exata, literal, um espelho do roteiro. Ocorrerá sempre determinadas deformações. Isso é porque a cooperação entre um diretor e um roteirista gira, em regra geral, em uma batalha e em uma busca para acordos. Não é impossível fazer películas boas desta maneira, mesmo se durante o trabalho preparatório as idéias originais virem a baixo, a nova configuração que o diretor e o roteirista conceberem basearam-se nas “ruínas das velhas”.

“Não obstante, a variante mais natural em fazer da película seria quando as idéias não têm que vir a baixo e se deformar, mas, preferivelmente, se tornarem orgânicas como no caso onde o diretor escreve o roteiro ele mesmo, ou em uma outra variante - o autor do roteiro decidir dirigir o filme ele mesmo [...]”.

“Em resumo, eu penso que o único roteirista bom para um diretor é um bom escritor.”

Fonte: http://www.acs.ucalgary.ca/~tstronds/nostalghia.com/index.html

Ao som de Wayne Shorter , Night Dreamer.

Tonino Guerra

2007-04-23T12:04:00.000-07:00

Bem, falando mais sobre cinema, aqui vai um texto sucinto e interessante sobre Tonino Guerra. Ae alguém pode me perguntar, quem é esse cara?
Tonino Guerra, roteirista italiano, já trabalhou com três, entre muitos, grandes cineastas, como por exemplo, Tarkovski (Nostalghia), Michelangelo Antonioni (Blow Up), e em muitos filmes de Fellini, (Amacord e E La Nave Va). Desse modo, tenho certeza que o texto que aqui coloco servirá para apresentá-lo a vocês. No final, segue um trecho de ums dos filmes cujo roteiro fora cooperação entre Tarkovsky e Tonino Guerra.

"Tonino Guerra desvenda mistérios do cinema",
copyright Folha de S. Paulo, 04/10/04

"Tanto é consenso para uns que o cinema é pura diversão quanto para outros que a expressão em imagens e sons constitui uma forma específica de arte. Para estes, a querela que se estende desde meados do século passado permanece centrada na questão do artista: afinal, quem é o autor desse tipo de obra, eminentemente coletiva em sua feitura?

No documentário ‘Um Encontro com Tonino Guerra’, a discussão retorna à tona e dela o espectador consegue sair pelo menos com um ponto de vista sólido em mãos, guiado pela posição firme de um dos mais importantes roteiristas do cinema moderno.

Poeta e romancista na origem, Tonino Guerra, 84, transferiu– se com armas e bagagem para o cinema em meados dos anos 50. A partir dali, de suas mãos saíram palavras e diálogos que seriam concretizados em imagens por integrantes do primeiro time do cinema italiano (àquela altura, baluarte da modernidade cinematográfica). Antonioni (desde ‘A Aventura’), Fellini (a partir de ‘Amarcord’), o De Sica tardio, Francesco Rosi e os Taviani foram alguns dos criadores para os quais Guerra emprestou seu humanismo clássico, sua poesia nua de sentimentalismos e, mais que tudo, sua visão pessimista da modernidade.

Como se não bastasse, a esse time depois ainda se agregariam o russo Andrei Tarkovski e o grego Theo Angelopoulos, dois mestres à sua maneira.

Sem falsa modéstia, Guerra responde à questão da autoria sem ceder à tentação da vaidade estimulada pelo entrevistador. Assume que é, sim, grande, mas lembra que o diretor é, sim, o autor. Porque ao tomar nas mãos o poder da palavra e das situações escritas num roteiro é do cineasta, em última instância, que emana o concerto de tudo em uma visão, a transformação de uma idéia em expressão. Ou seja: em cinema."

Fonte: http://observatorio.ultimosegundo.ig.com.br/artigos.asp?cod=297ASP012

Trecho do Filme:

Indicações:

"Nostalghia"
Andrei Tarkovsky

Gortchakov é um poeta russo que tem por objetivo pesquisar sobre a vida de um compositor russo que viveu na Itália no século XVIII. Encontra Domenico, considerado por muitos um louco, devido ao fato de ter aprisionado sua própria família por sete anos para protege-los do fim do mundo. O Encontro entre estes dois homens, que mal falam o mesmo idioma, tem um desfecho trágico cujo sentido é uma profunda reflexão sobre nossa contemporaneidade.

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"Abandoned Places"
Tonino Guerra.

Sem obras traduzidas no Brasil, - apenas " O Livro das Igrejas Abandonadas", tradução portuguesa da Assírio & Alvim, e esgotado - aqui vai uma indicação de um trabalho de Tonino Guerra em conjunto com Adria Bernard. Parte da coleção Essential Poets Series 74.

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Elementais do Fogo

2007-04-23T11:58:00.000-07:00

O fogo é algo que me fascina profundamente, não é a toa que a descoberta, pelo homem, de como fazê-lo foi uma revolução na história humana e possibilitou todo um desenvolvimento das forças produtivas. É um marco definitivo na relação homem-natureza. Porém, hoje, num mundo que cada vez mais se desencanta e se racionaliza, até mesmo este elemento essencial (ao lado da água, do ar e da terra) perdeu um caráter simbólico, digamos, mais mí(s)tico.

Os gregos, por exemplo, considerava o fogo como algo que pertenceria exclusivamente aos deuses, Prometeu, quando tentou traze-lo aos homens foi duramente castigado, sendo condenado ao acorrentamento no alto do monte Cáucaso e a ter seu fígado dilacerado eternamente por uma águia. Na mitologia judaico-cristã o fogo é considerado um elemento de expiação, de purificação... o inferno cristão é constantemente consumido em chamas infernais e talvez seja este um dos motivos de a fogueira ser utilizada como meio, por excelência, de punição à heresia durante a Inquisição. Ainda, em várias culturas não industrializadas, como na Europa medieval, aqueles que eram considerados pagãos executavam rituais, como os de fertilidade, onde o fogo era um elemento ritualístico central, assim como em sociedades indígenas em toda a América. Na Índia os rituais de cremação dos mortos também são um aspecto essencial de sua cultura. Enfim, em qualquer sociedade - tanto no espaço, como no tempo – o fogo ocupa um lugar central, tanto na esfera da produção material como na simbólica.

Pensando nisso tudo, um dia – ou melhor, numa madrugada -, ao acender um cigarro em plena escuridão, me deparei com a beleza da chama de um palito de fósforo. As formas das chamas me arrebataram para um sentimento anímico e pude presenciar a conjuração de pequenos seres etéreos de fogo que pareciam agonizar e dançar no seu pequeno momento de existência. Ae pensei nas salamandras, criaturas do imaginário pagão, que habitavam as chamas. Acho isso tudo interessante, pois sempre penso no processo de racionalização cada vez mais acentuado de nossa época e de como a beleza e a imaginação estão em crise. Particularmente, eu não gosto muito disso.

Foi pensando nestas coisas que eu fiz essa pequena brincadeira em vídeo, um pequeno exercício, mas que, embora tenha alguns problemas técnicos, me agradou bastante. Vejam as salamandras.

Dannyeu.

Andrei Tarkovsky fala sobre Solaris, Stanislaw Lem, Cannes e Fellini

2007-04-23T11:40:00.000-07:00

Por quê, em um filme que poderia ser categorizado como ficção científica, você esta mais concentrado no drama de consciência do herói do que com a situação dramática na estação espacial?[1]

Quando eu li a novela de Lem[2], o que me tocou, sobretudo, eram os problemas morais evidentes no relacionamento entre Kelvin e sua consciência, como manifestado na forma de Hari. De fato, se eu compreendi, e admiro profundamente, a segunda metade da novela - a tecnologia, a atmosfera da estação espacial, as perguntas científicas - era inteiramente por causa dessa situação, que me parece ser fundamental ao trabalho. Os problemas internos, escondidos, humanos, problemas morais, fundem-se sempre distantes, mais do que todas as perguntas da tecnologia; e em toda a tecnologia do caso, e como se torna, relaciona-se invariavelmente às questões morais, no final, estes problemas me interessam mais. Minhas fontes principais são sempre o estado real da alma humana e os conflitos que são expressos em problemas espirituais. E assim, eu dei mais atenção a esse lado das coisas em meu filme, mesmo que inconscientemente. Fazia parte do processo orgânico da seleção. Eu não apaguei o resto, mas tornou-se, de algum modo, mais apagado do que as coisas que me interessaram mais.

Qual a idéia central em seu filme?

O central são os problemas interiores, o qual me preocupei e que preponderou a produção inteira de uma maneira muito específica: a saber, o fato que, no curso da humanidade, do seu desenvolvimento, esta, numa mão, está lutando constantemente entre a entropia espiritual, moral e a dissipação de princípios éticos, e na outra - a aspiração para um ideal moral. O esforço interno e infinito do homem, que quer se ver livrado de toda a restrição moral, mas procura ao mesmo tempo um significado para seu próprio movimento, na forma de um ideal, que é a dicotomia que produz constantemente o conflito interno intenso na vida do indivíduo e da sociedade. Parece-me que o conflito, e a busca fértil e urgente por um ideal espiritual, continuarão até que a humanidade se liberte suficientemente para se dedicar somente ao espiritual. Assim que isso acontecer, um estágio novo começará no desenvolvimento da alma humana, quando o homem será dirigido em seu ser interno por uma intensa e profunda paixão ilimitada, como dirigiu seus esforços até agora na sua busca para a liberdade. E a novela de Lem, em minha própria compreensão, expressa precisamente a inabilidade do homem se concentrar em seu interior, e os pontos de conflito entre a vida espiritual do homem e a aquisição objetiva do conhecimento. É um conflito que nunca da ao homem toda a paz, até que consiga a liberdade externa completa. Nós pudemos chamar esta liberdade social, a liberdade do indivíduo social que não é necessariamente o pão, o alimento, um telhado, ou suas crianças futuras. A humanidade não se move para a frente sincronicamente. Ela para e começa, vai afora em sentidos diferentes. E somente quando as descobertas científicas ocorrem no curso do desenvolvimento tecnológico há um pulo correspondente no desenvolvimento moral do homem. Há uma coesão extraordinária entre os dois. Aquele era o problema que me exercitou toda a hora onde eu trabalhava no filme. Em termos simples, a história do relacionamento de Hari com Kelvin é a história do relacionamento entre o homem e o sua própria consciência. É sobre o interesse do homem por seu próprio espírito, quando não tem nenhuma possibilidade de fazer qualquer coisa sobre ele, quando está perdido na exploração e no desenvolvimento da tecnologia.

E qual é o resultado do conflito entre Kelvin e sua consciência?

Em Kelvin está simbolizado o “perdedor”, porque tenta reviver sua vida sem repetir o erro que fêz na terra. Tenta reavivar a mesma situação, porque tem uma consciência pesada, porque sente culpado de um crime, e tenta mudar interiormente em relação à Hari. Mas não se esforça. Seu relacionamento termina como aconteceu na terra, a segunda Hari também comete o suicídio. Porém, se Kelvin pudesse reviver diferentemente este estágio de sua vida, não seria culpado na primeira vez. E realiza a razão para que sua inabilidade se efetive nesta segunda vida com Hari. Realiza o que não é possível. Se fosse, então seria possível pressionar a tecla deste microfone que está gravando nossa conversação, replay a fita adesiva, limpa fora o todo o que foi gravado, e o começo novamente como se nada tivesse ocorrido. E então os conceitos, assim como a vida espiritual, a consciência, e a moralidade, não teriam nenhum significado.

Isso tudo não da um significado de pessimismo ao final do filme?

A película termina com o que é o mais precioso para uma pessoa, e ao mesmo tempo a coisa a mais simples de tudo, e o mais disponível a todos: relacionamentos humanos ordinários, que são o ponto inicial da viagem infinita do homem. Apesar de tudo, essa viagem começou para preservar intacta, protegendo os sentimentos que cada pessoa experimenta: o amor de sua própria terra, amor daqueles perto de você, daqueles que o trouxeram ao mundo, amor de seu passado, do que sempre foi, e é ainda caro a você. O fato que o oceano trouxe para fora de suas profundidades a coisa verdadeira, e que era a mais importante para ele - seu sonho do retorno à terra - que é, a idéia do contato. Contatar no sentido de “humano,” no sentido de “fazer bem.” Para mim, o final é o retorno de Kelvin ao berço, a sua origem, que não pode nunca ser esquecida. E é mais importante porque tinha viajado assim, distante, ao longo da estrada do progresso tecnológico, no processo de adquirir o conhecimento.

Você acha que Lem ficou satisfeito com seu filme?

Eu não quis causar grandes expectativas a Lem sobre a película. É uma pessoa cuja a opinião eu tenho muito respeito, eu admiro seu talento e seu intelecto. Eu sou muito afeiçoado ao filme, e extremamente grato a Lem para permitir que eu o faça. Porém, a respeito do que Lem acha sobre o filme, eu não penso que se ofenderá ou se irritará pela película, ou achará que foi mal feita, ou com falta de sinceridade, ou com falta de profissionalismo. Até agora, eu não sinto que o decepcionei. Eu estou certo que gostará de Hari.

Você exibiu sua película em Cannes. O que você achou dos outros filmes que foram mostrados lá?[3]

Eu estou pasmo com o baixo padrão. Eu não compreendo. Por um lado, eu achei tudo altamente profissional, por outro lado, tudo era totalmente comercial. Por exemplo, trataram de um assunto que era limitado para ser do interesse de todos: o problema do movimento do classe operária, ou o relacionamento entre a classe operária e outros segmentos da população. E toda ela foi feita com tal olho às audiências, com tal desejo de agradar… tive realmente a impressão que todas as películas tinham sido editadas por uma e para a mesma pessoa. Mas na película, de tudo, a coisa a mais importante é estar ciente do ritmo interno. Assim, o que poderia ser individual teve o lugar comum tornado vulgar. É extraordinário. Mesmo a película de Fellini sobre Roma, a película a mais interessante de todas, mostrou-se fora do festival apropriado. É uma regra do jogo, dar-se combinado com a audiência, o ritmo editorial é assim, que com lisura faz-se sentir ofendido em nome de Fellini. Eu recordo planos seus, onde os tiros, o comprimento dos tiros, e seu ritmo, foram amarrados ao estado interno do caráter e do autor. Mas este retrato foi feito com um olho para o que está agradando à audiência. Eu acho aquilo repugnante. De qualquer modo, a película não nos diz nada de novo sobre Fellini ou sobre a sua vida.

Que você achou sobre o Macbeth de Polanski?[4]

Eu não gostei. É muito raso, muito superficial. Ignora completamente o problema moral da consciência do homem que está pagando pelo mal que cometeu. Eu sou desconcertado com o fato de que qualquer um pode falar sobre Shakespeare e contornar completamente as questões espirituais envolvidas. É uma falha crucial na obra de Polanski. Suas intenções sérias se mostram somente em seu impulso em ser naturalista. A película é assim tão detalhada que cessa de ser realísta. O alvo do diretor torna-se óbvio, e com isto, temos meramente meios de conseguir um efeito. E uma vez que as audiências podem ler aquilo assim, claramente, a obra cessa de ser única, como uma moda, um filme que se transforma apenas em um alvo patentemente óbvio.

Quais são os seus planos agora?

Não é fácil falar sobre eles, para mim sempre muito amedrontador de fazer isto. Se você falar demasiado então nada acontece. Mas, de qualquer modo, eu tenho um roteiro todo pronto. Eu quero começar a rodar no outono. Será uma película autobiográfica, sobre minha infância[5]. Olhará os mesmos eventos de dois lados: o ponto de vista da geração mais velha e minhas próprias percepções. Eu penso de que o uso daquele paralelo e que poderia criar uma maneira interessante de ver coisas, um ângulo interessante, e a interseção emprestará uma coloração curiosa aos eventos que são familiares a todos no curso de suas vidas. Eu estou muito excitado em relação ao roteiro. Eu estou muito ansioso para fazer a película, porque eu estou receoso que se qualquer coisa der errado, eu nunca retornarei ao mesmo tema. Eu pensei muito sobre o roteiro, e eu tenho tantas coisas para produção. E eu tenho a convicção de que se minhas idéias estiverem corretas, o filme ganhará vida própria.

[1] O seguinte é um transcrição de uma entrevista com Tarkovsky, conduzido por Zbigniew Podgórzec em 1973. Sr. Podgórzec entrevistou também Tarkovsky em 1972 - os fragmentos dessa entrevista são encontrados entre os excertos nesta página. Referência: A primeira tradução para o inglês desta entrevista apareceu em um apêndice in Time With Time: The Diaries 1970-1986, Seagull Books Private Limited, Calcutta, 1991, pp. 362-366. ISBN 817046083-2. Tradução para o inglês Kitty Hunter-Blair. Constitui abaixo os excertos da parte original. A tradução heróica do Inglês para o Português foi minha, porém faço questão de frisar que meu Inglês não é dos melhores. A entrevista no original pode ser encontrada no link, http://www.acs.ucalgary.ca/~tstronds/nostalghia.com/
[2] Escritor polonês, nasceu em Lwów em 12 de setembro de 1921, falecendo recentemente em Cracóvia, 27 de Março de 2006. Para mais informações, consultar http://pt.wikipedia.org/wiki/Stanis%C5%82aw_Lem
[3] Faz-se importante citar que o grande vencedor do prêmio de melhor filme desse festival (1972), Palma de Ouro, foi “A Classe Operária vai ao Paraíso”, de Elio Petri. Porém, o filme Solaris ganhou o Prêmio Especial do Júri, Federico Fellini, por sua vez, conquistou o Grande Prêmio da Comissão Técnica.
[4] Quanto a Polanski, não descobri a relevância do filme colocado em questão por Tarkovski em relação ao festival desse ano.
[5] O filme se concretizaria e se tornaria extremamente polêmico, tudo indica que Tarkovski estaria falando do filme, O Espelho.

Segue um importante trecho do filme, com legendas em inglês.

Algumas indicações:

"Esculpir o Tempo"
Andrei Tarkovsky

O livro funde diário, cartas, reflexões filosóficas e as concepções de Tarkovsky sobre a arte, sobretudo o cinema. Sem dúvida, um trabalho fundamental para a compreensão das principais influências do autor e com importantes referências sobre as inspirações do mesmo, porém, vai além de ser um simples livro sobre cinema ou um texto autobiográfico, pois apresenta considerações importantes não só sobre o cinema, mas a sobre a própria experiência da União Soviética.

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"Solaris"
Stanislaw Lem

A obra literária que inspirou o filme e que desbrava a inquietação do homem entre o infinito insondável do vácuo e a experiência humana. Uma obra de "ficção científica" influenciada por uma das mais fortes tradições humanistas, a de pensadores como Tolstoy e Dostoievski.

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Daniel